Julián Herbert: el escritor acapulqueño que va de lo coloquial a la rabia

Un acercamiento a esta figura que ha ido haciéndose su lugar en la literatura nacional desafiando los temas de tendencia.

 

El creador tiene envidia del lector. El escritor redescubrió el papel del lector y lo convierte en centro de la Literatura del siglo 20.

La narrativa de Julián Herbert (Acapulco 1971) parece ir de prisa y dar pocas concesiones. Esto en comparación con las historias contadas una y otra vez por los narradores de su generación que, no todos por cierto, pero sí en su gran mayoría, eligieron la narco literatura como telón de fondo para explicarle al mundo qué sucede en México (como si esta explicación bastase para novelar y de alguna forma explicar la tragicomedia mexicana en la que estamos inmersos).

Julian además de poeta, ensayista, cuentista y novelista fue líder de dos bandas de rock que no tuvieron mucho éxito –Los tigres de Borges y Madrastras– pero que marcaron hondamente su literatura. Sus poemas y sus narraciones largas parecen estar imbricados con el estilo pasivo/agresivo, estridente del grunge noventero originado en Seattle.

Su poesía de muchas maneras es un reclamo y una declaración de principios. Es como poeta que se dio a conocer con los libros, Chili Hardcore (1994), El Nombre de esta Casa (1999), La Resistencia (2003), Autorretrato a los 27 (2003), Kubla Khan (2005), Pastilla Camaleón (2009), Álbum Scariote (2012), Bisel (2014) y Jesús Liebt Dich/Cristo no te ama (2015).

Desde este punto de partida Herbert fue pasando hacia el cuento con las colecciones Solados Muertos (1993), Cocaína (2006) y Tratado sobre la infidelidad (2010), este último con su también amigo, el escritor León Plascencia. Y ha explorando cada vez con mejores resultados el ensayo y la crónica con Canibal (2010) y La casa del dolor ajeno (2015).

Sumergiéndonos en su personaje

Herbert tuvo una infancia difícil, la cual detalla en su novela autobiográfica Canción de Tumba (2011) con el que ganó el premio Jaen de novela y el Elena Poniatowska; en ella narra los últimos días que pasó con su madre en un hospital de Saltillo donde convaleció victima de leucemia; pretexto preciso para sumergirse en su pasado y explorar la relación difícil que mantuvo con su progenitora quien se dedicaba a la prostitución.

De alguna manera al leer a Herbert cabe la posibilidad de leer a los dobles que va fraguándose de su propia figura, quienes se convierten en versiones esquizofrénicas de sí mismo. Y que lo retractan, lo retan y luchan por volver a escribir como si al hacerlo escribieran por última vez; esta característica lo mantienen en un extremo, en un ejercicio continúo de reescritura y reinvención.

Herbert asegura que su mayor influencia es T.S. Eliot y reconoce en David Huerta a un maestro con el que mantiene un dialogo abierto; López Velarde y Juan José Tablada son dos figuras imprescindibles para él, además de Octavio Paz al que retoma constantemente y al que debate, más que denostar, como una figura central de historia de la poesía nacional.

La literatura de Herbert es ecléctica, no se mantiene en un solo sitio como tampoco respeta en sí los géneros, su lucha se encuentra en la experimentación y a la vez en la comprobación de lo que esta escribiendo. Para Julián la pequeña línea que divide lo culto de la cultura de masas o Pop es un elemento a tomarse en cuenta pues de estos antagonistas es que la literatura contemporánea toma sus principales características.

Por eso la figura preferida del acapulqueño en el campo de la retórica es el oxímoron, que ha definido como una metáfora dentro  de otra, la suma de términos contrarios que se rechazan pero que sin alguno de ellos presente es imposible entender la idea.

Herbert va de la sencillez a la rabia, del comentario culto a la expresión coloquial abrupta y quebrante, del quejido hacia la sentencia elaborada, de la mitificación sensacionalista hacia la desmitificación cicatera y viceversa.

Digamos que intenta ser un escritor todo terreno, que por cierto ha declarado que si hubiera que comparar su literatura con algún equipo de fútbol, él lo compararía con la Holanda de 1974 donde todos atacaban y todos defendían.

Rober Diaz
Autor: Rober Diaz
Escritor. Hiperrealista. Trabaja en LCD / Departamento de teorías conspiratorias.

Este delicado haiku escrito por un niño tabasqueño nos recuerda que la belleza reside en las cosas simples

El haiku ilustrado de Luis Gabriel Vázquez se ganó un premio de la Fundación de Aerolíneas de Japón y te dejará en un precioso estado de reflexión…

Si hay un acto plenamente universal, probablemente sea la contemplación. Esta, si tenemos que definirla, consiste en poner la atención completa en algo; vertirse absolutamente en la experiencia de una cosa. Para algunos (como los japoneses y, también, los rarámuri) contemplar es un ejercicio espiritual. Cuando dejamos que las cosas hablen, lo que nos dicen podría cambiarnos la vida.

Así, son muchas las culturas que nos invitan a la contemplación, a través de diversas prácticas. Una extremadamente delicada es el haiku, la escritura de poemas mínimos, que cumplen con una serie de reglas fijas y que nacen de contemplar el mundo e invitan a quien lo lee a hacer lo mismo. Extraordinario es el ejemplo escrito e ilustrado por Luis Gabriel Vázquez, un niño tabasqueño de 12 años de edad, que con su pequeña y brillante pieza nos recuerda que la belleza reside en las cosas simples.

Su haiku “Amo la lluvia, cuando besa la tierra, siembra su aroma” fue premiado por la Fundación de Aerolíneas de Japón, como parte del concurso de haiku para niños del mundo y será publicado en inglés, español y japonés en una antología que recopila a los ganadores del concurso internacional.  

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La hazaña puede parecer simple, por la breve factura, pero el haiku es un arte mucho más complicado de lo que aparenta. Las reglas son las siguientes: la pieza normalmente está compuesta por 17 sílabas, en tres versos. El primero y tercero son de 5 sílabas y el que está en medio es de 7.
Los versos no riman, pero el verdadero reto es generar una narración que sugiera dos escenas o imágenes distintas yuxtapuestas y que se cierre en sí misma, es decir: que la pieza sea autosuficiente, es decir, que no solicite más contexto que el que puede ofrecer en 17 sílabas.

Conejo Lunar, bosque de tus estrellas, luz de mis sueños.
Luna Anais Campos Ruiz, 13 años

En ese sentido el haiku de Luis Gabriel es impecable, sugiriendo dos momentos: el caer de la lluvia y el momento en que la tierra huele a mojado, olor, por cierto delicioso y cargado de nostalgia. Además, la sugerencia de que la tierra es besada por la lluvia solo podría haber sido propuesta por quien con absoluta sensibilidad se presta a la contemplación del mundo.

Esta hermosa pieza nos ha dejado en un estado de preciosa reflexión, suspendidos en una burbuja que contempla la lluvia que cae y puede oler, a través de las potentes palabras, una escena cotidiana que nunca volverá a pasar desapercibida.

Otros niños mexicanos fueron premiados, haciendo un pequeño llamado para recordarnos que: entre todas las cosas que parecen oscurecer el panorama, una nueva generación de poetas y contempladores besa delicadamente el contexto, con palabras que son pequeñas y potentes flores.  

El gato duerme, en su cama de lana, y él roncaba.

Ariadna Guadalupe Morales, 9 años

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Alfonso Reyes: sobre por qué la originalidad no debe ser forzada

Uno de los grandes pensadores mexicanos nos habla sobre la crisis de la originalidad y cómo ha sido vendida como un producto, paradójicamente insustancial.

Tal vez, por consecuencias azarosas del destino, algunas personas derraman una originalidad apreciable a los ojos de cualquiera. La historia nos ha enseñado que esta autenticidad es espontánea en algunos, y que el resultado es una completa idea desconocida hasta entonces, que no ha sido creada jamás.

En este sentido, estaríamos hablando de la originalidad como un don, acaso como un milagro, que no le sucede a cualquiera. Este dato es falso, o más bien poco profundo. Para los que no tenemos la fortuna de destacar por una originalidad de nacimiento no todo está perdido. La clave está en no pensar en cómo ser original, sino en analizarnos como individuos.  

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Al respecto, el escritor Alfonso Reyes dedicó algunos breves párrafos a ilustrar cómo la originalidad ha sido forzada –y evidencia que ha pasado durante siglos–, pues nadie en este mundo está excluido de ser original; nadie podría nacer con aquella dicha, pero sí, en cambio, con la suerte de saber observarse a sí mismo. Se trata de una “originalidad que no se busca sino se encuentra”, nos dice, y continua:

Esta originalidad no buscada es fruto de procesos tan inevitables como lo son todos los procesos de la naturaleza. 

Reyes creía que la clave para encontrar esa originalidad estaba en el autoconocimiento, en obligarse a ser quién se es, y defenderlo a toda costa sin importar los escenarios, mucho menos una reputación:

 El descubrirse a si mismos es, más bien, descubrir al hombre abstracto que hay entre nosotros, al universal, al arquetipo, y abrazarse a él con fervoroso entendimiento platónico. 

 

La originalidad del Romanticismo

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Por otro lado, Alfonso Reyes habla sobre la probabilidad de que nadie, a su vez, se excluya de ser un farsante de la autenticidad, pues como bien nos comparte, la originalidad también puede ser vista como un objetivo y no como una consecuencia, tal vez, de la sensibilidad:

Se nos dice que una de las ideas motrices del Romanticismo fue la preocupación por la originalidad entendida como un fin en sí, como meta directa. . . ¡y es un by-product! [subproducto]

Para entender esta idea es necesario ponerse un poco en contexto:

En pleno desdoblamiento del Romanticismo europeo, en el siglo XIX, los hombres y mujeres de literatura encontraban la originalidad como una forma de rebeldía. El artista y escritor de este ciclo personificaba el espejo de la angustia y el tormento, efectos acaso evidentes de la sobrecargada historia de sucesos nacionalistas en occidente. 

Las bellas artes para entonces comulgaban con la visión del artista como profesión; la obra como objeto de mercado. El impulso plausible de aquellos románticos, no fue sino la capacidad de imaginar, soñar y sensibilizarse frente a este paradigma burgués; conectarse con el mundo natural, para regresar a nociones de origen, que les permitiesen asimilar una exquisita variedad de pantones desde la realidad en su obra. 

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Sin embargo, cabe señalar que los parámetros del romanticismo fueron también criticados por Alfonso Reyes. La postura romántica era radicalmente opuesta al movimiento de la Ilustración –una hazaña sin duda innovadora–, pero su extremismo algunas veces llegaba a otros confines, donde la originalidad era vista con cierta arrogancia y anclada a una serie de vicios humanos, tan banales como el mismo acto de considerarse un artista con “sensibilidad”.

En este sentido, las palabras de Alfonso Reyes parecen tan frescas como en aquella época. Escribe:

Cuando el poeta, cuando el artista declaran que al fin se han descubierto a sí mismos, a veces solo logran desagradar a los demás. Y es que confunden la originalidad con la indisciplina, y creen haber encontrado su ruta por entregarse a sus impulsos temperamentales, a sus manías, a sus tics nerviosos.

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Reyes no estaba en contra de utilizar la sensibilidad como vía de acceso a la originalidad, ni tampoco a favor del arte y literatura como productos. Lo que en algunas breves líneas cuestiona, es que la originalidad sea vista como un acto individual y no como lo que realmente es: una obra colectiva, que no es ajena a los matices que nos regala la vida, ni a las perspectivas del otro, ni del pasado, ni a la gama de ideas que ya se han servido al mundo en bandeja de plata: 

Aunque tal angustia [la de alcanzar la originalidad] hace crisis en los extremosos, tanto que todos acaban por resultar triviales, habría que meditar mucho la sentencia de un maestro ultra, Lautréamont, quien dice que el milagro no puede ser obra individual, sino colectiva. 

. . . No entendamos groseramente la doctrina. No se trata de collage, sino de absorción, digestión, refundición de los temas tradicionales. Toda creación es re-creación, y recreación.

 

*Referencia: Obras Completas de Alfonso Reyes, Tomos VIII y XII, Fondo de Cultura Económica.

*Ilustraciones: Joanna Neborsky

 

Jaen Madrid
Autor: Jaen Madrid
Editora de tiempo completo, música y ser humano. Ha escrito numerosos artículos en este medio, dando vida principalmente a los rubros de Arte, Cultura, Misticismo y Surrealismo. Escribe y edita Ecoosfera. Su tiempo libre lo dedica a leer literatura griega, tarot y ocultismo, además de crear música con sintetizadores.

¿Sabías que la primera novela hispanoamericana es mexicana?

El Periquillo Sarniento, con humor, relata la vida de un personaje singular poco antes de la Independencia de México.

En 1816, el mismo año en que inició la lucha por la independencia de México, fue publicada la primera novela hispanoamericana del mundo: El Periquillo Sarniento.

En aquél tiempo ya se aludía a México como México, y no únicamente como la Nueva España. Como ejemplo tenemos parte de las primeras líneas de esta novela:

Nací en México, capital de América Septentrional, en la Nueva España. Ningunos elogios serían bastantes en mi boca para dedicarlos a mi casa patria; pero, por serlo, ningunos más sospechosos.

Su autor, José Joaquín Fernández de Lizardi, es considerado como uno de los pensadores más influyentes para el movimiento insurgente que resultó en la lucha por la independencia. Fundó el periódico El pensador mexicano (de donde le viene su sobrenombre), el cual fue vetado por las autoridades por infundir el pensamiento crítico.

Lejos de lo que podría penarse, Lizardi estudió con muchas dificultades económicas pese a haber nacido en una familia criolla. Nació pobre, y murió pobre, y en el inter de su vida se esforzó férreamente por que México fuese un país más justo a través de la educación.

Por ello, podría decirse que su obra, estuvo fuertemente abocada a la propagación de ideas que hicieran que los habitantes de México cuestionaran su realidad social. El Periquillo Sarniento, por su parte, fue muy exitosa, sobre todo luego de su muerte, ya que narra con una voz con la que el pueblo se podía identificar las pericias de un personaje llamado Pedro Sarmiento, alias “el Periquillo Sarniento”, que en su lecho de muerte decide relatar a sus hijos sus andanzas por el México preindependiente, y con mucho humor, nos muestra la realidad social a la que todo hombre está supeditado según su época, así como a las limitaciones o bondades de la propia personalidad.

Sobre todo, esta novela fue un llamado en su tiempo a reconocer las intolerables injusticias sociales, que bien pueden cambiar si se toma conciencia y se forja un camino a la voluntad.

Esta novela continúa siendo todo un clásico, y te invitamos a leerla en el siguiente enlace.

 

*Imagen: Ilustración original para la cuarta edición de El Periquillo Sarniento