Julio Ruelas: el ilustrador mexicano maldito

En su corta vida, Julio Ruelas dibujaría sus sueños y delirios más fantasmagóricos, así como los limbos más tétricos jamás pensados en la historia del Porfiriato.

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Julio Ruelas fue el ilustrador del modernismo mexicano y ciertamente del porfiriato. Mediante la Revista Moderna –una publicación escrita por las plumas simbolistas que se revelaron a la Academia de San Carlos– celebró al decadentismo. Porque en el siglo XIX era decadente el que por su sentir finisecular predicaba el hedonismo, las melancolías y un constante sentimiento de pesadumbre de época a través de su obra.

Si hubo alguien que en México desentonó a la moral porfiriana –cual poeta maldito– ese fue Ruelas. Su espíritu de aristócrata lo llevó a Europa: primero en 1891 a estudiar cuatro años en la Universidad de Karlsruhe en Baden, Alemania, y después a París, pensionado por Justo Sierra para que aprendiese la técnica de aguafuerte, utilizada en grabado. Si bien de Alemania obtuvo sus dos más grandes influencias (Arnold Böcklin y Félicien Rops) sería Francia quien le daría la muerte –su tormento– y un lugar en el cementerio de Montparnasse.

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La obra de Julio Ruelas es oscura, fantasmal, trágica. Abraza toda posibilidad de decadencia bajo una legado espiritualista ciertamente Baudelairiano. Y para muchos grotesca, pues como Alfonso Reyes afirmó: “Julio Ruelas es satánico, como Baudelaire, y es, como él, aunque de menor intensidad, cristiano negativo. Es lascivo, porque la lascivia es pecado, que si no sería un amante. No sabe, como el amante, del goce de la fecundidad, su amor es doloroso y estéril”.

El tormento en sus grabados e ilustraciones fue fecundado por el presente en su vida, recordando sutilmente el gusto por el sufrimiento del Conde de Lautréamont, que habría de morir tan solo siete meses antes del nacimiento de Ruelas –si quiere pensarse así, éste podría haber sido su reencarnación, que se aferró a terminar un valioso legado para América. 

implacable julio ruelasRuelas, a pesar de su existencialismo subrayado, figuró en las filas de los simbolistas, aquellos humanos inspirados en metáforas sinestésicas y la experiencia de los sueños. Precedentes del surrealismo y opositores al naturalismo. En México estos simbolistas fueron José Juan Tablada, Amado Nervo, Alberto Leduc, Rubén M. Campos, Bernardo Couto y Ciro B. Ceballos; el único ilustrador era Ruelas.

En su obra se manifiesta la muerte, no hilarante como en el pensamiento de Guadalupe Posadas, sino lo contrario: una muerte temible, aterradora; humedecida hasta las entrañas de tortura, éxtasis y la perversión de Eros, seres mitológicos y otros más satánicos y fantasiosos cual Maldoror lo hicieron posible.

Pero hubo quienes aplaudieron su estridente pensamiento:

La inspiración de Ruelas complácese en la sombra, en la angustia, en el tormento… Es dantesca por excelencia. Viene del Infierno, á través de Goya… Nadie como él ha sabido traducir el dolor, un dolor que eriza los cabellos, que hace pensar en un mundo fantasmagórico de suplicios… Las creaciones atormentadas de Ruelas se retuercen sin esperanza en limbos tétricos. Sus símbolos dejan traslucir no sé qué pesadillas inenarrables. (Amado Nervo)

Ruelas murió en París –en 1907– a los 37 años, según se dice, de tuberculosis. Otros afirman que, al igual que Lautréamont, no fue la enfermedad física sino el delirium tremens que culminó su extravagante vida.

 

Jaen Madrid
Autor: Jaen Madrid
Editora de tiempo completo, música y ser humano. Ha escrito numerosos artículos en este medio, dando vida principalmente a los rubros de Arte, Cultura, Misticismo y Surrealismo. Escribe y edita Ecoosfera. Su tiempo libre lo dedica a leer literatura griega, tarot y ocultismo, además de crear música con sintetizadores.

El Taller de Gráfica Popular: 80 años de arte revolucionario y popular en México

Eran artistas. Eran militantes. Y eran herederos de la revolución que vivían los convulsos tiempos de la primera mitad del siglo XX.

“El arte no es un espejo para reflejar la realidad, sino un martillo para darle forma”.
Bertolt Brecht

Durante las décadas que verían sucederse dos guerras mundiales, así como profundos procesos de cambio social en México, surgió uno de los proyectos artísticos más interesantes: el Taller de Gráfica Popular (TGP)*, un movimiento de artistas muy politizados que revolucionaron la gráfica mexicana para siempre.

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Arturo García Bustos, uno de los más jóvenes integrantes del TGP, recuerda  a éste como una “proeza colectiva”, que tuvo sus antecedentes en la Liga de Artistas y Escritores Revolucionarios (LEAR). Dentro de estos grupos, entre otros, era donde la intelectualidad de izquierda hacía de la cultura un arma efectiva de lucha contra las oligarquías e instituciones que mantenían una guerra declarada contra los trabajadores (como los cristeros, quienes estaban detrás de una matanza de 200 maestros rurales), y servía también como medio de denuncia frente al fascismo que asolaba a Europa.

Fue el grupo de grabadores de la disuelta LEAR quienes, en 1937, fundaron el TGP. Leopoldo Méndez, junto con Pablo O’Higgins y Luis Arenal, alentados por David Alfaro Siqueiros, fueron quienes echaron a andar el Taller. Estaba ubicado en la plaza Belisario Domínguez, y actualmente sigue dedicado a la imprenta –por cierto que aún acuden organizaciones y activistas para imprimir volantes y carteles. Ahí es donde cobró vida el TGP, uno de los proyectos artísticos más importantes de toda Latinoamérica, al que pronto se incorporarían decenas de artistas y con el que colaborarían también escritores y poetas.

La gráfica ¡a las calles!

México seguía siendo un país iletrado (53.1 de analfabetas) y con poco acceso a la cultura; no había forma posible de seguir haciendo arte si no era haciendo un arte popular que saliera de los fríos museos y que trascendiera los reducidos márgenes del arte de élite. Se necesitaba de un arte que se retroalimentara de la realidad circundante y que, al mismo tiempo, se irradiara de todas las maneras posibles por las calles de todo México.

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Así, los artistas del Taller de Gráfica Popular, incluidos sus muralistas, bajaron de sus andamios y recorrieron las calles pegando los carteles que imprimían con la técnica de impresión litográfica que le habían aprendido al maestro Jesús Arteaga. Y para elaborar tirajes más grandes es que el local de Belisario Domínguez tenía destinado uno de sus cuartos para la vieja imprenta mecánica que habían comprado, fabricada en París en 1871 (razón por la cual la llamaron orgullosamente “La Comuna”), y de la cual saldrían, además de carteles, cientos de telones, volantes y revistas, como la publicación de propaganda Frente a Frente. A otras técnicas como la pintura mural también las harían “móviles”, (como precisamente los llamados “murales transportables”), todo con la intención de hacer llegar el arte hasta los últimos confines del territorio.

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Pero además, el estilo gráfico de estos mexicanos traspasó las fronteras y llegó incluso a Estados Unidos y Europa; incluso –y como tanto anhelaban los miembros del TGP–, se llegó a exponer en Moscú en 1940. No obstante, al ya instaurado stalinismo no le parecieron suficientemente ortodoxa la estética en las obras del TGP, lo que conllevó a un cierto alejamiento por parte del TGP de la corriente de la URSS, por lo menos de la corriente artística denominada “realismo socialista”; un alejamiento que se volvería también político con el paso de los años, pues posteriormente el TGP comenzaría un trabajo más cercano al gobierno, amparado en la política de unidad nacional, lo que abriría una nueva etapa en su trabajo.

Grabando memoria

De este nuevo giro el TGP marcó como principal objetivo el rescate a la memoria de la revolución mexicana, lo que incluía develar las omisiones  que el gobierno pudiese llegar a haber hecho de un movimiento que tenía apenas 30 años de ocurrido y que era menester reivindicar. También era una apuesta contra los detractores de la revolución, algo que en 1946 el recién nombrado presidente Miguel Alemán vio con buenos ojos, apoyando por ello los esfuerzos del TGP. Y aquí surgió uno de los trabajos más importantes: el de Estampas de la Revolución Mexicana, una colección que constaba de 85 grabados y que fueron publicadas, una cada día, en el periódico El Nacional.

En este proyecto participaron todos los miembros del TGP, y tuvo como uno de sus principales logros el rescatar del olvido la famosa Convención de Aguascalientes, en la que en 1914 se reunieran los bandos revolucionarios del sur y del norte cuya primera etapa fue en la Ciudad de México, además de rescatar otras figuras y héroes populares, como a los hermanos Serdán, a Zapata, a Villa y a Carranza, además de otros personajes multitudinarios como a los obreros, a los campesinos e incluso a las populares “adelitas”.

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Sin embargo, tras esta mancuerna con el gobierno, Leopoldo Méndez dijo a los miembros que debían intentar alejarse de “representar a los hombres (y las cosas) fuera de su realidad, pues esto le da a nuestra producción cierto tinte de arte puramente oficial”. Hacía falta pintar a las personas en su aspecto real, y no “con coturnos a los pies y una aureola alrededor de la cabeza”.

El Taller de Gráfica popular sobreviviría todavía 20 años después de este periodo, en los cuales seguirían teniendo una fecunda producción artística y cultural, sobre todo hasta 1967, año en que la mayoría de los miembros originales se habían marchado. Durante ese tiempo –sea desde una perspectiva comunista o más nacionalista–, el TGP no sólo irradió el arte y la cultura popular de una forma innovadora, sino que fue un efectivo agitador político. Motivos y símbolos como el maguey, el águila o las famosas calaveras, como las de Leopoldo Méndez (inspiradas en el trabajo de José Guadalupe Posada), se mezclaron en un discurso revolucionario en un momento donde aún cabía pensar en la posibilidad de terminar con años de colonialismo en México, de la mano de los ideales revolucionarios que aún pervivían en las conciencias y que el TGP ayudó a volver indelebles.

Arte, cultura y revolución después del TGP

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-El Movimiento Gráfico del 68

En ese 2 de octubre que Jacobo Zabludobsky denominó como “muy soleado” ocurrió la masacre de Tlatelolco, a partir de la cual se conformaría un fuerte y potente movimiento juvenil, del que se desprenderían diversas exigencias hacia el Estado, así como un reclamo generalizado por justicia y contra la violencia policial y militar.

A esta lucha la acompañaría el denominado Movimiento Gráfico del 68, conformado por jóvenes estudiantes de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado (ENPEG), como también de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP). La inspiración de este movimiento artístico fue el TGP, y muchos de sus carteles recuerdan al estilo de éste, aunque después tuvieron su propia estampa.

-El neomuralismo

Un movimiento contemporáneo de arte callejero que ha rescatado la tradición muralista, con todo lo social y popular que rodea a la misma, y que ha dado nueva vida al arte popular y colectivo valiéndose del graffiti para hacer lo que en su tiempo hiciera el TGP con los grabados y la pintura tradicional: difundir el arte, esparcirlo por las calles y hacerlo de todas y todos.

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Gracias a este movimiento se han recuperado espacios públicos y se ha bajado considerablemente el grado de violencia y delincuencia en decenas de barrios del país, llevando no sólo murales bonitos y coloridos a las comunidades, sino toda una nueva forma de ver la vida y las relaciones humanas en general.

Todas estas corrientes no son sino prueba de que el arte no sólo es arte en sí, sino que es, ante todo, un tiempo y espacio por donde el hombre y la mujer pasan, fijando su visión estética del mundo e imprimiendo lo que ven en la realidad. El TGP, el Movimiento Gráfico del 68, el neomuralismo y muchas otras corrientes continúan demostrándonos que, como dijera el poeta alemán Bertolt Brecht, el arte es un martillo.  

 *Para conocer más a fondo el arte del TGP te recomendamos darte una vuelta por la exposición inaugurada hace poco en las rejas del Bosque de Chapultepec, sobre Paseo de la Reforma.

 

*Imágenes: 1) Piso 9; 2) Pinterest; 2) Graphic Witness; 3)Colmich; 4) Cmegenis; 6) LaGuerrerodf

*Fuentes de consulta:

Al rescate de la memoria. Estudio iconográfico del grabado La Convención de Aguascalientes, 10 de octubre de 1914

Sandra Vanina Celis
Autor: Sandra Vanina Celis
Hija de tiempos posmodernos, pero aún así terca en la necesidad de construir el socialismo. Colaboradora del proyecto político Colectivo Ratio.

Conoce el Pokémon maya creado por esta artista: Pokemayan (FOTOS)

Sus personajes han llamado la atención, basados en dioses y la mitología maya, su reinterpretación con los Pokemayan es muy atractiva.

En los últimos meses el furor por el juego de realidad virtual Pokémon Go ha devuelto el gusto masivo por Pokémon. Este último en un inicio se trató de un juego de video con criaturas de poder que hacían uso de los cuatro elementos básicos: fuego, agua, tierra, pero también de otros miembros naturales como las plantas, o mitológicos, como las hadas.

Con el tiempo Pokémon tuvo tanto éxito que se convirtió en la serie televisiva de anime japonés que le dio proyección mundial. Hace unos meses la aplicación Pokémon Go, que es un juego de realidad virtual para encontrar a los personajes en la calle y convertirlos en maestros Pokémon, ha puesto de moda estos personas de nuevo.

En esta ola, y gracias a internet, fue ubicado el trabajo de Monarobot, una ilustradora mexicana de 25 años, originaria de Chiapas, que hace tiempo luego de una convocatoria llamada Pokemonathon, creó una serie de Pokémones con estética maya, el concurso consistía en hacer pokémones con un estilo propio.

En su twitter monarobot hace un comparativo de algunos de los elementos arqueológicos que inspiraron sus personajes. En entrevista menciona, además, que la mitología japonesa y su estética también se entrelazan en las figuras. Curiosamente, no están tan lejanas ambas estéticas, la maya y la japonesa.

Los siguientes son algunos de sus personajes de Pokemayans, los cuales reinterpretará a la brevedad según sus propias declaraciones. Puedes encontrar más de su trabajo en su Tumblr.

 

La importancia vanguardista de Ulises Carrión

Carrión fue el primer escritor y artista nacido en México que se convirtió expresamente en posmexicano.

Hablar de Ulises Carrión es hablar del siglo XX. Es un personaje que fue escritor, editor, poeta  y artista; un adelantado a su época. En México es poco reconocido y entendido, se sabe poco de su fecha exacta de nacimiento y muerte. 

Carrión fue el primer escritor interdisciplinario de la literatura mexicana. De allí que a varios artistas visuales jóvenes les llame la atención cómo utilizó sus recursos para transformar la escritura, y a no pocos escritores les interese por uno de sus recursos predilectos, la deconstrucción. Sus herramientas de trabajo fueron los medios que se apropió, como el teléfono, el video, los timbres postales, las impresoras, la radio y varios más. 

Se cree que Ulises Carrión nació en San Andrés Tuxtla, Veracruz en el año de 1941. Desde temprana edad se mostró apasionado de la literatura y el gusto por el arte. Escribía prosa, cuentos cortos y obras de teatro. 

Recientemente algunas editoriales mexicanas han retomado (o rescatado) la obra de Ulises Carrión. Entre ellas, que yo tenga noticia, se encuentran Taller Ditoria, Ediciones Hungría y, ahora, en su colección Anómalos, Tumbona, con la recopilación de textos de su obra maestra “El arte nuevo de hacer libros”

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La figura de Carrión es atractiva (un artista o escritor raro, poco conocido pero que tuvo propuestas vanguardistas que no pudieron ser contenidas por la literatura) y permite comprender a la vanguardia como tradición. Carrión demostró que las preguntas o insistencias formales en una disciplina artística no deben ser, necesariamente, nuevas pero siempre pueden ofrecer algo nuevo.  

La obra de singular artista puede dividirse en dos etapas: la de escritor convencional y la de artista experimental. 

En la primera etapa publicó dos volúmenes de cuentos en un formato convencional: La muerte de Miss O y De Alemania. Ambos libros le valieron buenas críticas entre sus contemporáneos. Vicente Leñero calificó la obra literaria de Carrión como “muy brillante”. 

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Desde Amsterdam, específicamente desde su galería y estudio Other Books and So, trabajó creando instalaciones, arte efímero, arte postal, películas, videos, performances, audios y otros experimentos visuales y sonoros. Influenciado por el Dadá, el Fluxus y el arte conceptual, Ulises Carrión creó algo más que libros de artista: objetos  llamados bookworks o de libros performances. 

Su salida de México no sólo tenía razones literarias. Carrión deseaba construir un mundo propio, donde pudiera vivir abiertamente su identidad de género. 

En 1974 ya definía a Holanda como su “patria de elección” y su obra la dirigía prácticamente al mundo del arte, no a la literatura. Para esta época, Carrión ya tenía muy claro que jamás volvería a México, y le gustaba decir que siempre se había sentido extranjero; se distanció del concepto de familia y nación. Carrión fue el primer escritor y artista nacido en México que se convirtió expresamente en “posmexicano” –aquellos mexicanos que tras emigrar a otros lugares terminan manifestando una identidad con rasgos de mexicaneidad diluida

Casi toda su obra experimental en español permanece inédita hasta la fecha. 

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Heriberto Yépez, además de ser su admirador y de haber traducido su libro El arte correo y el Gran Monstruo, lo llama “el escritor post-literario más innovador que haya nacido en México”. 

En 1989 Carrión murió en la ciudad de Ámsterdam, a los 48 años y en plena madurez creativa, por complicaciones derivadas del virus del VIH.  Tras su muerte su obra cayó rápidamente en el olvido, pero en el 2003 el Museo de Arte Carrillo Gil presentó una retrospectiva de su obra, lo que revivió el interés por su trabajo entre varias generaciones. En el 2016 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid organizó la retrospectiva más grande que hasta la fecha se ha hecho de su obra. 

*Imágenes: 2)Y.Yu; 3) Europa Press

 

Carlos Cid
Autor: Carlos Cid
Trotamundos en busca de neutrinos, siempre en modo Random.