Las pinturas del arte postrevolucionario mexicano que irán a Filadelfia (FOTOS)

Pinta la Revolución: El Arte Moderno Mexicano (1910-1950), aborda el modernismo mexicano, singular en el mundo.

Luego de la Revolución en México, en el mundo estaban sucediendo cambios que marcaron la rebeldía en las artes. Tras tantos sinsentidos originados por la primera Gran Guerra, las ideologías iban en descenso, la sociedad estaba perpleja, sin encontrar rumbo,horrorizada y confundida.

En México la guerra de la Revolución que se prologó por más de 10 años, y la globalización cada vez más presente, causó cambios interesantísimos en el arte: vanguardias globales como el cubismo, surrealismo, simbolismo, comenzaron a permear las artes plásticas; los artistas mexicanos hicieron reapropiaciones de estos movimientos desde una tradición pictórica mexicana que pareciera llevarse en el ADN y de cuya simbiosis nacieron estilos muy singulares.

En octubre próximo en la ciudad de Filadelfia se mostrará la exposición Pinta la Revolución: El Arte Moderno Mexicano (1910-1950), presumiblemente la exhibición más completa sobre arte moderno mexicano que en las últimas siete décadas se haya presentado en Estados Unidos.

Entre las obras figuran las de María Izquierdo, Agustín Jiménez, Saturnino Herrán, Manuel Maples Arce, Fermín Revueltas, Miguel Covarrubias, Emilio Amero; están Autorretrato con Popocatépetl de Gerardo Murillo Dr. AtlEl diablo en la iglesia Guerra de David Alfaro Siqueiros, La piedad en el desierto de Manuel Rodríguez Lozano, La ofrenda de Saturnino Herrán, Homenaje a la raza india de Rufino Tamayo y los frescos portátilesLiberación del peón Caña de azúcar de Diego Rivera, etc.,

En enero esta exposición regresará a México y se instalará en el Museo del Palacio de Bellas Artes.

Estas son algunas de las obras de esta importante exhibición:

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Autorretrato. 1962. oleo sobre carton dr atl

 

Entre la tenebrosidad y la belleza de la oscuridad: las hechizantes pinturas de José Luis López Galván

Las pinturas puede ser una puerta a nuestro miedos (y tal vez a la belleza de estos).

El terror y el caos va más allá de los sueños. Así son las pinturas del jaliciense José Luis López Galván, que hace de sus obras un acto de realidad. La naturaleza de su estilo es indescifrable. Muchas personas han dicho que su técnica rememora a los surrealistas, y si bien el artista tiene entre sus inspiraciones a algunos, expresa que el surrealismo no es una vanguardia a la que se adhiere. La razón reside en que no saca su inspiración del subconsciente.

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Tal vez, más allá de una realidad onírica trasladada al lienzo, sus obras son más una especie de fantasía tenebrosa. Sobre todo por su pasión en retratar en cada uno de sus cuadros a los seres humanos y otros animales. El plasmar seres que juntan características, tanto salvajes como de personas, es un retrato de la realidad desencarnada. Acorde al autor, su intención es representar la esencia de las cosas, no su apariencia en sí. Lo cual, puede ser tenebroso, pero mágico a la vez. 

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Dicho acercamiento, poco convencional, pero sumamente bello, puede atribuirse a su formación. El mismo López Galván lo reconoce y asegura que esto se debe a que en un principio, estudió diseño gráfico. Fue sólo después de que tomara un taller de dibujo, que supiera su verdadera vocación: el retratar monstruos al óleo.

El uso de sombras y luminiscencias en cada una de sus piezas es otra prueba de la seductora tenebrosidad de sus seres. Según el artista, esta técnica permite darle más profundidad a los personajes de sus cuadros, como a sus ambientes. Tal vez, este estilo puede atribuirse a que admira el arte Barroco y, sobre todo, a Goya, a quien considera un ejemplo a seguir, y a Dalí y su habilidad de distorsionar personajes y escenarios y transformarles en otros.

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Sin duda alguna, el arte de Galván también crea este efecto. Lo siniestro y tenebroso se expresa a partir de seres que parecen una realidad hechizada, acaso formada desde la locura. Aún así, el artista asegura que cada una de sus creaciones se hace para que interactúen con el espectador, pues deja al imaginario de éste, la creación de una posible narrativa.

Su libertad de interpretación se agradece mucho. No sólo porque sus pinturas enfatizan la belleza de la oscuridad, sino por el terror y caos que representan. López Galván nos invita a encararnos al arte, aunque este sea tenebroso. Porque las maravillas de lo oculto siempre vale la pena verlas.

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Su obra puede encontrarse y adquirirse en Macabre Gallery.

Los retratos que José Luis Cuevas pintó en el psiquiátrico “La Castañeda”

La locura fue uno de los detonantes que marcaron enormemente la obra de este singular artista y sus enigmáticos personajes.

Antes de que el pintor, dibujante, grabadista, y creador de personajes inolvidables José Luis Cuevas, cumpliera 10 años, ya había decidido que quería dedicarse al arte. Según su autobiografía lo decidió cuando contemplaba absorto unos murales de Diego Rivera.

Curiosamente, Cuevas, justo se convirtió en uno de los imprescindibles que enarbolaron la generación de la Ruptura, y con ello la tradición muralista mutó en una nueva oleada de creatividad a la que se sumaron artistas como Remedios Varos, Mathías Goeritz, Vicente Rojo, etc.,

Desde el año que decidió convertirse en un artista, entre 1942-1943, Cuevas comenzó a pintar con mayor ahínco, y un episodio en particular fue decisivo: la visita que hizo al psiquiátrico “La Castañeda” gracias a la ayuda de su hermano Alberto (especializado en psiquiatría).

La Castañeda fue el centro psiquiátrico más grande de México hasta la segunda mitad del siglo XX. Su inauguración corrió a cargo de Porfirio Díaz, y funcionó desde 1910 hasta 1968. Este manicomio, luego fue criticado altamente por las condiciones de abuso e insalubridad del sitio.

Para Cuevas, de quien su obra abunda altamente en el “yo” (en el cómo va sintiendo su propia identidad), el tema de la locura le resultaba altamente atractivo, precisamente por esa marginalidad que existe entre una persona que ha “perdido” la razón, y la que la “conserva”, en gran parte por esa autoconcepción, más estable.

Esta visita en 1952 marcó fuertemente la obra de Cuevas y su carrera, y de hecho, solo un año después de esta, hizo su primera exposición en la Galería Prisse, en la que el coleccionista Álvaro Carrillo (el fundador del Museo de Arte Carrillo Gil) le compró la serie “La Casa Rosa”.

Te presentamos algunos de sus obras sobre la locura, resultado de esta visita a La Castañeda, inmortalizada, y un preámbulo importantísimo en su trabajo:

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Ana Paula de la Torre Diaz
Autor: Ana Paula de la Torre Diaz
Editora en jefe de +DeMx. Politóloga de carrera, colabora para diversas publicaciones digitales como Pijama Surf. Creadora del proyecto ciudadano yanostoca.com. Y pintora ocasional ( http://bit.ly/2jkE8lD )

Esta es la más grande exhibición de arte mexicano en 60 años y está en París: #ExpoMexique

Hasta 60 artistas mexicanos de la primera mitad del siglo pasado en la exhibición México (1900-1950) Diego Rivera, Frida Kahlo, José Clemente Orozco y el vanguardismo.

México y Francia desde hace un siglo han guardado una relación artística muy estrecha. Fue en este país donde vivió Diego Rivera, y donde fue presentada la exposición que prácticamente le dio a Frida Kahlo su proyección internacional.

“La cultura racionalista de Europa ha fracasado. Vengo a México buscando las bases de una cultura mágica que aún brota en la tierra india”, dijo Antonin Artaud cuando llegó a México en los años 30.

André Bretón, por su parte, lo nombró como el país más surrealista del mundo y su estancia en México le dio también gran proyección al arte mexicano. Sin embargo la fama de los pintores mexicanos, concentrada sobre todo en Frida Kahlo (oficialmente la artista latinoamericana más cotizada) Diego Rivera, Rufino Tamayo, Orozco, Siqueiros, etc., empañó de algún modo otro séquito de artistas mexicanos inmortales.

Lo curioso es que durante la primera mitad del siglo pasado, en México se dio un movieminto artístico importantísimo, y hasta hoy obras de exponentes no tan conocidos están tomando la fuerza que merecen.

Por lo anterior ha sido organizada la muestra más grande de arte mexicano desde hace 60 años en Le Grand Palais de París. Hasta el 23 de enero está presente esta exposcición con 200 obras de 60 artistas en el Gran Palacio. Su nombre es: México (1900-1950) Diego Rivera, Frida Kahlo, José Clemente Orozco y el vanguardismo.

¿Podrías nombrar los mejores artistas mexicanos de inicios del siglo XX? Probablemente a tu mente vengan a lo mucho 15 nombres. Lo importante de esta exposición que abre paso a un mundo nuevo de artistas mexicanos cuya obra es reconocida como sobresaliente y que son poco conocidos. Así, es tiempo de darles su merecido lugar en la historia.

Entre los  grandes artistas no tan conocidos que se exhiben en esta muestra están: Ramón Gómez de la Serna, Roberto Montenegro, Jorge González Camarena, Dr. Atl, Abraham Angel, Maria Izquierdo, Tina Modotti, Mathias Goeritz, Ángel Zárraga, Agustín Lazo, Roberto Montenegro y Francisco Goitia.

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Acá una muestra de las pinturas de esta exposición.

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Pintura de Rosa Rolanda 

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Pintura de Ramón Alva de la Canal

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Pintura de Abraham Angel

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Pintura de Nahui Ollin