Avándaro: a 45 años del concierto de rock más importante en la historia de México (FOTOS)

De manera inesperada, una carrera de automóviles fue convirtiéndose en el más legendario concierto de rock de la contracultura de México.

La efervescencia que se respiraba en México en 1971 era enorme, sobre todo en el sector joven de la población. Luego de la brutal represión de los estudiantes en 1968 en Tlatelolco y en 1971 con El Halconazo, el desencanto de la sociedad con el PRI era altísimo. Este se manifestaba en las expresiones culturales como la música, y en este rubro el gobierno hizo importantes censuras, como el caso del grupo Pop Music Team, censurado en 1969 por su canción Tlatelolco.

El evento de Avándaro, el más importante y mayor concierto de rock celebrado en México, milagrosamente se dio por eventos circunstanciales. En realidad el evento primario que pensaba celebrarse era el de Circuito Avándaro, una famosa carrera de autos que antes debió cancelarse por el fatal accidente del piloto Moisés Solana. Los promotores del evento, entonces, pensaron en celebrar una noche mexicana amenizada por grupos de rock para reabrir la carrera, contactaron a Luis de Llano quien producía La onda de Woodstock en el programa De domingo a Domingo dirigido por Jacobo Zabludovsky, las cosas fueron acomodándose y finalmente este evento, que terminó siendo altamente contracultural, terminó siendo publicitado por la propia Televisa.

Finalmente la carrera se clausuró por la masiva afluencia al Circuito Avándaro que en realidad era un gran público para las bandas de rock.

En este evento donde el uso de drogas fue común, el amor libre, y mucha música, quedó muy bien documentado, pues previamente se había acordado que sería grabado por Telesistema MexicanoCablevisiónPelículas Candiani y Jaime Humberto Hermosillo. En las fotografías, tanto Graciela Iturbide como Pedro Meyer documentaron principalmente este concierto de 2 días, el 11 y 12 de septiembre de hace 45 años.

avandaro concierto rock garaciela iturbide

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*Imágenes: 2,3,4,5)Graciela Iturbide; 11 y 12)elmodo.mx; 13 y 14)Pedro Meyer

El día que Patti Smith fue poseída por Tláloc y la luna llena en México

Tal vez la legendaria rockera canalizó la energía de las deidades prehispánicas y la "súper luna" para ofrecer una actuación inolvidable en México.

La noche del 5 de mayo de 2012 ocurrió una extraña conjunción en la Ciudad de México. Con el Museo Anahuacalli como locación, la supeluna rebosante en el cielo, y la cantante Patti Smith actuando por primera vez en México, algo extraño ocurrió: la legendaria rockera apareció como poseída, radiante de energía, sobre el escenario, y forjó una inolvidable comunión entre ella, el público y el espacio. 

Una hipótesis, acuñada por el blog Dangerous Minds, es que la estadounidense estaba poseída por el dios mexica de la lluvia, Tláloc –o por alguna otra deidad prehispánica condensada en las más de 60 mil piezas que componen la colección de este recinto. Dicha influencia quizá fue potenciada por una poderosa luna llena, y con el eco de la memoria histórica que recuerda el 5 de mayo (la épica batalla que, contra todo pronóstico, vio triunfar al ejército mexicano por sobre los invasores franceses). 

También conocido como Museo Diego Rivera Anahuacalli, por haber sido concebido por el pintor mexicano, es un espectacular espacio, edificado a manera de teocalli (“casa de los dioses”), que seguramente quedará impreso en la memoria de Patti Smith y de los asistentes que tuvieron la fortuna de experimentar esa “rara y poderosa convergencia entre lugar, energía y artista”. 

El Anahuacalli está ubicado en Museo 150, San Pablo Tepetlapa, Coyoacán, Ciudad de México, y es sin duda uno de los museos más intrigantes de la capital mexicana. Y si quieres experimentar un poco de esa energía que esa noche poseyó a Patti, no dejes de visitarlo.

 

 

 

 

El diseño prehispánico que Andy Warhol creó para un álbum mexicano

Se trata de la primera portada musical que creó el artista para un álbum de música mexicana, unos veinte años antes de inventar el pop art.

En el futuro, todos serán famosos por 15 minutos.
– Andy Warhol

 

Andy Warhol ha sido por décadas un autor que nunca pasa de moda. Los libros de arte, o incluso las revistas de tendencia escriben su nombre al margen de la vanguardia, como si fuera él un icono del futuro. Algunos se atreverán a decir que el mundo del arte todavía vive en la época de Andy Warhol, que no se resume al pop art, sino que abarca una serie de exóticas etapas de la realidad cultural contemporánea.

Warhola fue pintor, ilustrador, cineasta, actor, artista digital, rockstar de ocasión y socialité. En cierta época germinal ilustró varios artículos en revistas como Vogue, Rolling Stone, Vanity Fair y la elemental Haarper’s Bazar. Se le recuerda en fotografías junto a La Velvet Underground, John Lennon, William Burroughs, Twiggy, el Papa Juan Pablo II y con la misma Madonna, por afirmar una premisa que hoy en día es cierta: “en el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos”, o incluso por sus acaloradas fiestas en La Factory de Nueva York, cuya ubicación reiteradamente era un misterio.

Su figura e ingobernable excentricidad pronto habría de arrojar algunas de las obras más improbables, como es el caso de su fotografía y serigrafía de caras famosas –tan inmortal–, o su no tan famoso cover art prehispánico que realizó en sus inicios como ilustrador.

Reciente el sitio de Noisey nos recordó esta rareza del portafolio de Warhol. Se trata de un diseño un tanto austero que refleja sus primeros trabajos como ilustrador: el dibujo de algunos danzantes prehispánicos que fueron parte de la edición de un álbum de música mexicana, derivado de una exposición del Museum of Modern Art (MoMA).

andy warhol musica mexicana cover album

Al parecer, dicho evento fue parte de la exhibición Veinte siglos de arte mexicano (Twenty Centuries of Mexican Art) en el MoMA, en 1940, donde se presentó una orquesta de música tradicional, misma fue liderada por el compositor Carlos Chavez. El resultado de este encuentro sonoro fue compilado en un disco a través de Columbia récords. Sin embargo, el MoMA no encargó el diseño directamente a Warhol.

De hecho, la primera edición del disco lanzada ese mismo año fue ilustrada por un tal Alex Steinweiss. Para la segunda edición de 1949 –y cuando Warhol aún no era una cotizada figura del arte– se decidió cambiar la ilustración, esta vez realizada por Warhol. Se sabe que se influenció de una imagen que contenía el programa del evento, que al parecer corresponde a una pieza que ilustra un texto sobre Xochipili –príncipe de las flores y deidad de la música– y Macuilxóchitl, este último la deidad que simboliza a los hombres que murieron en batalla. De manera que la imagen en que se influenció podría representar una especie de ritual hacia los espíritus muertos en batalla.

andy warhol portadas de disco

Como se puede ver en las ilustraciones, el disco enuncia que se trata del programa musical de la exhibición, y en la parte izquierda sobresale la ilustración. Esta es la portada de la edición americana, misma que contiene interpretaciones tanto de huapango y mariachi como de nativos americanos yaquis.   

La versión mexicana de este vinilo también se lanzó a la venta pero se cambió la portada de Warhol por una tal vez más surrealista:

andy warhol musica mexicana

 

Quienes siguen los pasos de Andy Warhol, localizarán su participación musical en las portadas de discos legendarios como la mítica banana del The Velvet Underground & Nico, el primer álbum de estudio de la banda The Velvet Underground; “Sticky Fingers” y “Love You Live” de The Rolling Stones, “Menlove Ave” de John Lennon y hasta el inesperado “Made in Spain” de Miguel Bosé. Sin embargo, pocos recuerdan que esta, “A program of Mexican Music”, resulta ser la primera portada de álbum que el autor realizó en la historia, un invento prehispánico fortuito, que no imaginaríamos encontrar bajo el lápiz que antecedió un movimiento como el pop art.

 

*Referencia: warholcoverart.com

*Imágenes: 1) vinilo “The Velvet Underground & Nico”, rare edition – ruby lane.com; 2, 3, 4) warholcoverart.com

¿Quiénes fueron los jipitecas (o hippies mexicanos)?

Más allá de formar parte del movimiento hippie en el mundo, los jipitecas u onderos tuvieron sus propias características.

Como sabemos, a finales de los 60´s  y durante la década de los 70´s, surgió especialmente en Estados Unidos, aunque también en todo el mundo, el movimiento hippie.

La inmersión de filosofías orientales en la literatura Occidental por parte de autores como el maestro zen Daitsetsu Teitaro Suzuki, o Alan Watts, permearon a una juventud que además adoptó ideas marxistas y anarquistas en su filosofía política; la búsqueda por la libertad sexual derivada del psicoanálsis, el antibelicismo e ideas ecológicas y de iluminación de las ideas orientales (en gran parte también gracias a la influencia de la generación de escritores de los posguerra conocidos como los Beat).

jipitecas hippies mexicanos

Entre esta efervescencia de ideas en México, aunque también llegó el movimiento hippie, este se mezcló con un reencantamiento hacia el indigenismo (influenciado en gran parte por personajes como Diego Rivera y Frida Kahlo). A este movimiento hippie, tan propio de este país, el antropólogo Enrique Marroquín le llamó jipitecas (también conocido como xipitecas en alusión al indigenismo).

Características generales de los jipitecas

Revaloraron la vestimenta indígena (y su simbolismo), por ello incorporaron a su ajuar prendas milenarias como el huipil, rebozo, jorongo, sarapes.

Valoraron altamente la maestría y cosmovisión de la artesanía indígena. De ella incluso hicieron reinterpretaciones con artesanía muy particular diferenciada de la del resto de hippies del mundo; su trabajo se llamó la artesanía jipiteca.

Como el resto de los hippies confirieron profunda importancia a los alucinógenos, aunque con especial énfasis en los naturales y usados milenariamente por distintas etnias indígenas de México.

Visitaban sitios sagrados acompañados de alucinógenos, tales como Teotihuacán, Tula, Xochicalco o Monte Albán; hicieron peregrinaciones a lugares como Real de Catorce o Huahutla.

En la Ciudad de México solían reunirse, sobre todo al rededor de 1967, en el Parque Hundido, donde hacían yoga o intercambiaban ideas y alucinógenos.

Se asentaron comunas rurales que terminaron volviéndose urbanas en los años 80, entre las más conocidas están Hotel Gurdieff, El Vergel, en el valle de Oaxaca, dirigida por Margarita Dalton, hermana de Roque Dalton; Arcóiris, de Uruapan, y la de Huehuecóyotl en Amatlán, en las alturas de Tepoztlán.

En la música también se retoma el indigenismo, como por los grupos: náhuatl, ritual, Coatlicue, Los Yaqui o Chac Mool.

 

jipitecas hippies mexicanos

 

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*Imágenes: Pedro Meyer