Los azules infinitos y los personajes entrañables de Joy Laville (FOTOS)

Cuando niña, Laville creció en el mar, y quizá con sus grandes ojos azules absorbió su esencia y nos la trajo en sus pinturas.

Los floreros, mares, azules, montañas, una vez más, los azules… personas cuyo cuerpo son solo fragmentos como en los dibujos de los niños. El estilo pictórico de Joy Laville es tan innovador como discreto… Sus pinturas abrazan; sus azules lo hacen.

Joy Laville es inglesa-mexicana. Pasó su niñez temprana en la isla de Wight,  donde nació, y su pintura ha estado influenciada por esos paisajes por los que paseó en sus primeros años dibujando, corriendo, contemplando… Vivió en Canadá por 9 años y luego fue a vivir a México en 1956.

Vivió en San Miguel Allende por 12 años y ahí conoció a Jorge Ibargüengoitia con quien sostuvo un matrimonio de 20 años, hasta que este murió. Aunque las pinturas de Laville no son tan conocidas como las de otros artistas de la Generación de la Ruptura (asociados con el rompimiento de la plástica mexicana muralista- revolucionaria) como Rufino Tamayo, Vicente Rojo, José Luis Cuevas, Juan Soriano, Pedro Coronel, Francisco Toledo, Mathias Goeritz, etc., su trabajo va haciéndose cada vez de más seguidores que encuentran en sus imágenes una apacibilidad que en un tiempo como el nuestro es necesaria.

Sus pinturas son en su totalidad como siluetas, preciosas insinuaciones. Todo en sus imágenes son como un recuerdo, llevan algo de lejanía, atemporales y distantes; quizá como una reflexión fugaz de que todo es finalmente un sueño.

Sus colores pasteles siempre llevan al mar que debió haber visto de niña. Las figuras humanas en sus cuadros son secundarias, porque no existe detalle en ellas, como dibujadas por un niño y siendo parte de un escenario donde los colores son los protagonistas, porque transmiten la quietud del mar. Sí, aunque se trate de un rosa o un naranja.

En los cuadros de Laville todo es apacible, como reconfortante, incluso esperanzador. Como si en este mundo que vivimos fuera posible un estado similar al de sus cuadros con solo observarlos…

joy laville

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Joy Laville 09-09-2015 (3)

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Ana Paula de la Torre Diaz
Autor: Ana Paula de la Torre Diaz
Editora en jefe de +DeMx. Politóloga de carrera, colabora para diversas publicaciones digitales como Pijama Surf. Creadora del proyecto ciudadano yanostoca.com. Y pintora ocasional ( http://bit.ly/2jkE8lD )

La artista que comenzó a pintar “sin querer” e inauguró un estilo en México (Entrevista)

La historia de Carmen Esquivel, una mujer que empezó a pintar a los 32 años y nunca más pudo parar; su estilo pertenece a la corriente naíf, entre la fantasía y la inocencia.

De niña no pintaba, nada, siempre reprobaba en pintura. Los dibujos con los que les ayudaba a mis hijos quedaban mal… Y empecé a pintar a los 32 años, me dio la loquera.

Carmen Esquivel

Hay personas que se topan con las artes de una manera accidental, y encuentran ahí un refugio tan propio, que no pueden soltar su nuevo universo, uno que se ha convertido en parte imprescindible de su manera de estar en el mundo. Lo anterior desde una labor cuyo sentido más profundo, es que, sobre todo, lo hacen para sí mismos…

La historia de la pintora Carmen Esquivel embona enormemente en un comienzo y en una vida inmersa en  lo anterior. Fue, sin darse cuenta, parte de la “Generación de la Ruptura en México”; descubierta por el maestro Raúl Gamboa Cantón (alumno de Diego Rivera), y arropada por grandes de la plástica mexicana como Rufino Tamayo y José Luis Cuevas.

A su estilo, inédito en México hasta ella (al menos oficialmente), se le conoce como arte naïf, que significa un arte ingenuo, inocente, aunque también cumple con una serie de requerimientos como el estar altamente vinculado con la fantasía y el detallado minucioso (casi obsesivo) en los aspectos de los objetos.

En esta entrevista Carmen Esquivel nos habla de su historia. Su pintura es un legado que confluye entre la influencia mexicana y lo más hondo de sus fantasías y mundo interno:

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Sobre tu historia en la pintura:

Yo no estudié. Yo no sabía que un artista naíf (o es naif auténtico, o no lo es). Yo no sabía ni lo que estaba haciendo, entonces, empecé a pintar con un grupo de amigas porque queríamos ayudar a un maestro, un excelente paisajista y muy buen pintor, que siempre andaba ofreciendo sus clases. Entonces nos juntamos con él y ahí empecé a pintar. Pero yo lo que veía es que yo no podía hacer nada, lo que hacía eran cosas como de niños de 4 años. Y dije, bueno ¿qué es esto?, vi lo que estaban haciendo todos, y dije ¿Qué estoy haciendo aquí?. Entonces fui con el maestro Raúl Gamboa Cantón y  me dijo, ¿sabe qué? usted ya no va a venir a aprender aquí, por que usted tiene una corriente muy especial: usted está dentro de una corriente, una tendencia, yo no sabía nada de eso, y me dijo: naíf. Me dio taanto coraje, le dije, sabe qué, el naíf será usted. ¿Por qué?, ¿Qué me está diciendo?.

Después de eso entendí un poco más, y seguí pintando. Luego vino un director de Bellas Artes y le gustó mucho mi obra, y  yo solo tenía unos 6, 7 cuadritos. Entonces llegó Don Antonio Rodríguez, el crítico de arte, venía de París, y también vio mi obra, y desde entonces estuvo viendo todo lo que estuve haciendo. Luego el maestro Tamayo se interesó mucho por lo mío y me pidió que le pintara un cuadro; él  y la señora Olga (su esposa) me hicieron el favor de recomendarme en algunas galerías pero pues no a todas les gustaba el arte naíf, y sí me recibían, pero hasta ahí. Luego José Luis Cuevas me pidió que lo pintara y todos esos cuadros pertenecen al acervo del museo Cuevas.

¿Qué significa México para ti?

Para mi, hasta me dan ganas de llorar: México es todo. Adoro mi país, sé que hay muchos problemas pero es un país hermoso. Es un país maravilloso, tenemos una historia desde la época prehispánica hasta la Revolución, que creo que pocos países tienen y debemos de estar todos los mexicanos muy orgullosos de este país, y no estar criticando tanto; más bien  proponer, involucrarnos.

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¿Cómo describe su obra? ¿Se considera una artista naíf?

Es muy difícil responder eso. Cuando la gente me criticaba de por qué me quedé en Bellas Artes (por que el maestro Gamboa me apoyó mucho pero no me dejaba tomar clases de pintura ni nada), yo me sentía muy contenta con lo que estaba haciendo, y les decía: hay, me está quedando “rebonito”. Y siempre me decían, eres el primer pintor que le dice al maestro Gamboa que le está quedando bonito, y pues sí, a mi me gustaba mucho todo lo que estaba haciendo. Entonces que te puedo decir, me siento muy a gusto haciéndolo, y no te puedo decir que soy la maravilla ni nada pero sí me gusta mucho y el trabajo diario, te va dando ideas, ideas, ideas…

Qué recomienda a los artistas jóvenes mexicanos?

Que si les gusta el arte, que si es una necesidad de expresarse, lo  hagan. No todos pretendemos que vamos a ser grandes artistas, es una cosa muy particular de uno. Y es necesario para los niños,  para los jóvenes, y desde cualquier rama del arte, no solo la pintura, necesitan expresarse.

No es solamente pensar que en esta carrera me va a ir muy bien porque voy a ganar mucho dinero, qué bueno que lo hagan y que lo tengan, pero no, tiene que tener algo más que los llene, que sea espiritual. Te digo que a mi  la pintura no sabes todo lo que me dio. Entonces sí es muy importante que sea algo que sea muy de ellos, que se estén expresando.

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Recomendaciones para los que buscan que su trabajo sea más auténtico:

Creo que la autenticidad tiene que empezar por ti, que estés relatando realmente lo que tú eres, por que si estás en otras cosas que no son, si quieres imitar, se pierde lo auténtico. Que sean ellos, por que todo mudo critica, pero ojalá que estén haciendo algo que les este nutriendo más que a todo a su espíritu.

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*Imágenes: Carmen Esquivel
Ana Paula de la Torre Diaz
Autor: Ana Paula de la Torre Diaz
Editora en jefe de +DeMx. Politóloga de carrera, colabora para diversas publicaciones digitales como Pijama Surf. Creadora del proyecto ciudadano yanostoca.com. Y pintora ocasional ( http://bit.ly/2jkE8lD )

Los retratos que José Luis Cuevas pintó en el psiquiátrico “La Castañeda”

La locura fue uno de los detonantes que marcaron enormemente la obra de este singular artista y sus enigmáticos personajes.

Antes de que el pintor, dibujante, grabadista, y creador de personajes inolvidables José Luis Cuevas, cumpliera 10 años, ya había decidido que quería dedicarse al arte. Según su autobiografía lo decidió cuando contemplaba absorto unos murales de Diego Rivera.

Curiosamente, Cuevas, justo se convirtió en uno de los imprescindibles que enarbolaron la generación de la Ruptura, y con ello la tradición muralista mutó en una nueva oleada de creatividad a la que se sumaron artistas como Remedios Varos, Mathías Goeritz, Vicente Rojo, etc.,

Desde el año que decidió convertirse en un artista, entre 1942-1943, Cuevas comenzó a pintar con mayor ahínco, y un episodio en particular fue decisivo: la visita que hizo al psiquiátrico “La Castañeda” gracias a la ayuda de su hermano Alberto (especializado en psiquiatría).

La Castañeda fue el centro psiquiátrico más grande de México hasta la segunda mitad del siglo XX. Su inauguración corrió a cargo de Porfirio Díaz, y funcionó desde 1910 hasta 1968. Este manicomio, luego fue criticado altamente por las condiciones de abuso e insalubridad del sitio.

Para Cuevas, de quien su obra abunda altamente en el “yo” (en el cómo va sintiendo su propia identidad), el tema de la locura le resultaba altamente atractivo, precisamente por esa marginalidad que existe entre una persona que ha “perdido” la razón, y la que la “conserva”, en gran parte por esa autoconcepción, más estable.

Esta visita en 1952 marcó fuertemente la obra de Cuevas y su carrera, y de hecho, solo un año después de esta, hizo su primera exposición en la Galería Prisse, en la que el coleccionista Álvaro Carrillo (el fundador del Museo de Arte Carrillo Gil) le compró la serie “La Casa Rosa”.

Te presentamos algunos de sus obras sobre la locura, resultado de esta visita a La Castañeda, inmortalizada, y un preámbulo importantísimo en su trabajo:

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Ana Paula de la Torre Diaz
Autor: Ana Paula de la Torre Diaz
Editora en jefe de +DeMx. Politóloga de carrera, colabora para diversas publicaciones digitales como Pijama Surf. Creadora del proyecto ciudadano yanostoca.com. Y pintora ocasional ( http://bit.ly/2jkE8lD )

Esta es la más grande exhibición de arte mexicano en 60 años y está en París: #ExpoMexique

Hasta 60 artistas mexicanos de la primera mitad del siglo pasado en la exhibición México (1900-1950) Diego Rivera, Frida Kahlo, José Clemente Orozco y el vanguardismo.

México y Francia desde hace un siglo han guardado una relación artística muy estrecha. Fue en este país donde vivió Diego Rivera, y donde fue presentada la exposición que prácticamente le dio a Frida Kahlo su proyección internacional.

“La cultura racionalista de Europa ha fracasado. Vengo a México buscando las bases de una cultura mágica que aún brota en la tierra india”, dijo Antonin Artaud cuando llegó a México en los años 30.

André Bretón, por su parte, lo nombró como el país más surrealista del mundo y su estancia en México le dio también gran proyección al arte mexicano. Sin embargo la fama de los pintores mexicanos, concentrada sobre todo en Frida Kahlo (oficialmente la artista latinoamericana más cotizada) Diego Rivera, Rufino Tamayo, Orozco, Siqueiros, etc., empañó de algún modo otro séquito de artistas mexicanos inmortales.

Lo curioso es que durante la primera mitad del siglo pasado, en México se dio un movieminto artístico importantísimo, y hasta hoy obras de exponentes no tan conocidos están tomando la fuerza que merecen.

Por lo anterior ha sido organizada la muestra más grande de arte mexicano desde hace 60 años en Le Grand Palais de París. Hasta el 23 de enero está presente esta exposcición con 200 obras de 60 artistas en el Gran Palacio. Su nombre es: México (1900-1950) Diego Rivera, Frida Kahlo, José Clemente Orozco y el vanguardismo.

¿Podrías nombrar los mejores artistas mexicanos de inicios del siglo XX? Probablemente a tu mente vengan a lo mucho 15 nombres. Lo importante de esta exposición que abre paso a un mundo nuevo de artistas mexicanos cuya obra es reconocida como sobresaliente y que son poco conocidos. Así, es tiempo de darles su merecido lugar en la historia.

Entre los  grandes artistas no tan conocidos que se exhiben en esta muestra están: Ramón Gómez de la Serna, Roberto Montenegro, Jorge González Camarena, Dr. Atl, Abraham Angel, Maria Izquierdo, Tina Modotti, Mathias Goeritz, Ángel Zárraga, Agustín Lazo, Roberto Montenegro y Francisco Goitia.

Sigue esta muestra más de cerca en Instagram.

Acá una muestra de las pinturas de esta exposición.

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Pintura de Rosa Rolanda 

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Pintura de Ramón Alva de la Canal

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Pintura de Abraham Angel

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Pintura de Nahui Ollin