Steven Spielberg filmará ambiciosa película sobre la conquista en México

En un inicio la película se llamaría Moctezuma aunque finalmente llevará el título de Cortes y abundará ampliamente en el encuentro entre ambos personajes.

El famoso director de cine Steven Spielberg, mientras en  el Festival de Cannes promovía su más reciente cinta Mi Amigo el Gigante, anunció que producirá una película sobre la conquista, que tendrá como personajes centrales a Moctezuma y Hernán Cortés.

“La película se va a llamar Cortés y narrará la relación entre estos dos personajes que definieron todo un continente”, adelantó el cineasta, asegurando que el rodaje se realizará en México.

Moctezuma fue gobernante de la ciudad mexica de Tenochtitlán desde 1502 hasta la llegada de los españoles encabezados por Hernán Cortés, quien además tenía una preparación militar y fungía también como sacerdote.

Según diversos historiadores, incluyendo a Bernal Díaz del Castillo, el encuentro entre ambos sucedió la mañana del 8 de noviembre de 1519 en el Palacio de Axayácatl (Centro Histórico de la Ciudad de México), aunque poco después comenzaron una batalla que dio pie al episodio conocido como El árbol de la noche triste y, posteriormente, a la muerte de Moctezuma, aunque poco se conoce de quién lo asesinó.

“En estos momentos estamos desarrollando el guión, que está a cargo de Steven Zaillian (La lista de Schindler, Pandillas de Nueva York y te puedo decir que será en español e inglés”, añadió Spielberg.

 Hasta ahora también se conoce que Javier Bardem será Hernán Cortés. 

Cortés, quien previamente llevaba el título de Moctezuma, es apenas uno de los múltiples proyectos en la agenda del director, entre los que destacan las secuelas de Tin-Tin, Transformers, Gremlins, Parque Jurásico y Gigantes de acero. La expectativa, naturalmente, es que la película se apegue a los aspectos históricos y culturales de la época y que elimine cualquier muestra de estereotipo infundado o un frívolo folclor (como en el caso de las críticas hechas a Apocalypto (2006) de Mel Gibson).

*Imagen: Mural de Diego Rivera del Palacio Nacional/photosbyralf.com

Guillermo del Toro relata su experiencia con un ovni en los 80 (Video)

"Yo no quería ver un OVNI que además estaba horriblemente diseñado"

Sé que sonaré como un auténtico lunático, pero juro que vi un OVNI. Sé que esto es horrible. Yo no quería ver un OVNI que además estaba horriblemente diseñado.

No sorprende escuchar esto desde Guillermo del Toro. El cineasta mexicano y defensor de monstruos destaca por su genialidad y una creatividad inspiradora que, según ha declarado, encontró en su código genético:

Pero del Toro no ve en los monstruos solo oscuridad. Su apuesta es siempre encontrar la belleza de las imperfecciones de estos personajes, desde una óptica muy conmovedora. 

Ahora, un hombre que desborda autenticidad como el señor del Toro también presume un vasto catálogo de experiencias sensoriales en su vida: contacto con ovnis y fantasmas. En una entrevista realizada por su colega cineasta, James Cameron, del Toro cuenta cómo en su adolescencia fue espectador de estos fenómenos paranormales, y relata uno de sus encuentros –un fenómeno escandaloso para la época–, un platillo volador:

Yo estaba con un amigo. Habíamos comprado un pack de seis cervezas y estábamos en un lugar llamado Cerro del Cuatro, la Montaña de los Cuatro, en la periferia de Guadalajara. Nos sentamos a tomar una cerveza, mirar las estrellas y hablar. Éramos los únicos en la autopista. Y entonces la vimos, una luz en el horizonte yendo muy rápido, de manera no lineal. Y le dije a mi amigo: ‘toca la bocina y enciende las luces’. Y empezamos a darle al claxon.

Una experiencia como esta podría asombrar a cualquiera, pero del Toro, con un humor muy fino, no pudo evitar sentirse decepcionado por el diseño del ovni:

Pasó como a unos 1000 metros, o quizás algo más cerca, en menos de un segundo. Y era horrible. Era un platillo volador, tan cliché que tenía luces parpadeando. Es muy triste, me gustaría poder revelar que no son lo que crees que son, pero realmente son tal y como pensamos. 

Pese a que el cineasta ha convivido, literalmente, con sus monstruos (seres fantásticos, aterradores y desconocidos para la mente humana), no negó un hecho primordial que cualquiera podría experimentar al ser espectador de un fenómeno paranormal: 

Y el miedo que sentimos es tan primario… Nunca he estado tan asustado en mi vida. Nos montamos en el coche y nos fuimos de allí a toda velocidad. Nos persiguió un rato, pero cuando volví a mirar ya había desaparecido.

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The Shape of Water (o sobre cómo el amor es rebeldía en tiempos espesos)

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"La forma del agua", la nueva película del cineasta mexicano Guillermo del Toro, nos dice por qué amar es una forma de rebeldía en tiempos de crisis.

Qué hay en esa idílica fotografía que presenta la nueva película de del Toro, sino la forma que toma el amor. Un pedazo de eternidad en el espeso escenario azul, la imagen de la inocencia en un escenario poco probable; un acto de rebeldía en tiempos de crisis. 

The Shape of Water (La forma del agua) es el último filme del cineasta mexicano y una de las probables películas acreedoras a un Óscar. Ha sido ganadora al León de Oro del 74 Festival de cine de Venecia y recientemente fue apremiada como mejor película, mejor director, mejor diseño de producción y mejor banda sonora en los Critics’ Choice Awards. La cinta es, como varios de sus trabajos de del Toro, una fantasía atrapada en la realidad; el cuento de hadas donde los monstruos también son bellos, y la entelequia de una película romántica hollywoodense, que no se limita a engañar al espectador con la posibilidad de la ficción norteamericana sino que, demuestra el bellísimo alcance de la imaginación para producir nuestras propias quimeras

La historia la hemos visto antes: un monstruo enamorado de una mujer (El monstruo de la laguna negra), un espíritu atrapado en un cuerpo horrendo (Frankenstein), un corazón bondadoso –y sin embargo “raro”– que desploma su vida ante la aparición de un ser quimérico (El laberinto del fauno) y una confianza en el amor como hace tiempo no la hemos creído.

Elisa Espósito (Sally Hawkins) –una mujer muda que trabaja como personal de limpieza en el Centro de Investigación Aeroespacial de Baltimore– encuentra increíblemente atractivo a un monstruo escamoso (Doug Jones) que han traído a los laboratorios desde el Amazonas para estudiar su calidad de anfibio. La ayuda de un tercer personaje, un pintor frustrado que considera, nació “demasiado tarde o demasiado temprano para este mundo”, es elemental para que Elisa ayude a escapar y regresar a su hogar a dicha bestia. El desenlace es por demás alentador, y del Toro nos comparte algunas escenas oníricas que en una historia hoollywoodense podrían pensarse visualmente imposibles.

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La luz y los colores de una fotografía hermosa, revelan el fanatismo de del Toro por la estética steam punk y la posibilidad de crear a su antojo una historia en la que el monstruo-animal y la mujer humana son atraídos también sexualmente. 

En La forma del agua existen muchos pasajes escondidos: la narrativa universal romántica es utilizada como un pretexto para desdoblar lo evidente: el amor inocente es rebeldía para los tiempos actuales. El contexto, inspirado en los Estados Unidos de los años 60, se alinea con la actualidad para denunciar al miedo como arma de guerra, y al racismo y el clasismo como fenómenos extraídos, paradójicamente, de una sociedad norteamericana que ha vivido en la ilusión de los bellos musicales de las películas clásicas de antaño, la misma generación de hombres y mujeres que hoy vivifican la frase Make America Great Again.

La idealización de Norteamérica a través de arquetipos como la música, los autos y la moda de aquella época contrasta con lo que es real: la posibilidad del amor noble, el imposible, el raro, el fuerte, el valiente.

Pero el amor también encuentra el reto en el diálogo del personaje consigo mismo. El monstruo no es un personaje principal, sino el espejo de los personajes alrededor. Es la desventura y la frustración para el Coronel Richard Strickland (una suerte de villano) que a ratos explora su humanidad; es el ingenio creativo del pintor Giles y toda esa inspiración que había guardado durante años, y es la capacidad de aceptar con felicidad la fealdad interior de la propia Elisa. Encontrar lo nuestro en lo otro –en el monstruo–, y alcanzar la felicidad y la armonía es el mensaje. 

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Esta es una historia en la que el amor se muestra como un acto de rebeldía en tiempos espesos. Si bien es difícil aceptarlo, hoy día el mundo afronta una etapa de transición delicada, donde difícilmente podemos dar una oportunidad a las formas impredecibles del amor real, pues la sociedad pesa: pesa la soledad, el miedo al fracaso, la eventualidad de parecer sujetos anormales, demasiado bondadosos o demasiado románticos, la desconfianza, el miedo, el rencor, y sin ser necesaria una sola palabra (como Elisa Espósito), pesa afrontar la vulnerabilidad de decir con una mirada te quiero.

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No te pierdas esta increíble película que ya se encuentra en los cines mexicanos. 

Jaen Madrid
Autor: Jaen Madrid
Licenciada en Derecho por la UNAM. Editora por profesión. Música por convicción.

Poliangular, el cortometraje que se pregunta por la existencia de ser humano

Este cortometraje de geometría fantástica, producido por el estudio Casiopea, ha obtenido diversos reconocimientos y en 2018 saldrá a recorrer el mundo.

Una obra que se adentra al autoconocimiento, a través de las figuras geométricas. Así es Poliangular, cortometraje animado de la directora mexicana Alexandra Castellanos, y producido por el estudio Casiopea. La narrativa del filme es sencilla, casi minimalista. La mayoría de las acciones transcurren a partir de las imágenes o el desplazamiento de los personajes, cuyas expresión ante el público es el silencio.

El abordar en una película animada la exploración del ser humano podría parecer muy complicado, hasta un intento que prometería ser fallido. El cortometraje Poliangular demuestra lo contrario, no sólo tuvo buena recepción de público, sino de la crítica. Ha recibido numerosos reconocimientos ,como La Palmita, que otorga el Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine). Gracias a esto la directora mexicana llevará su película al Festival Internacional de Cortometrajes de Clermont-Ferrand, el cual se celebrará en el 2018.

La mudez de los personajes en esta pieza fílmica no es casual. Castellanoss, oriunda de la Ciudad de México, pensó en la realización de este cortometraje durante una serie de reflexiones en las que se cuestionó su manera de actuar en la vida. Fue sólo cuando, gracias a estas meditaciones, que la artista se dio cuenta que su vocación eran los cortometrajes de animación.  De ahí que cada uno de los individuos que salen en esta pieza parezcan tan meditabundos o ensimismados en sí mismos. La reflexión y el silencio es algo que la autora quiso dejar muy claro en estos seres.

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Otra de las características de los animales antropomorfos de Alexandra Castellanos son la búsqueda que realizan en el cortometraje. Desde el principio de la historia, cada uno de los seres se aboca a la búsqueda de algo que ni ellos mismos saben, pero sienten la necesidad de encontrar. Más allá de si logran o no conseguir lo que anhelan, la similitud que hay entre estos seres y su directora es inevitable.

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La manifestación de un cambio o deseo de mutar se nota hasta en su fisionomía: compuestos de figuras geométricas, abrazan el lenguaje abstracto como un método  contaste transformación. Este mismo tema del mudar de estado anímico y físico puede verse en el mismo título, Poliangular. La palabra hace alusión a muchos ángulos y, de alguna manera, las diferentes posibilidades del ser.

Poliangular no es un cortometraje de animación cualquiera. Su desarrollo, tanto visual como argumental, es el ejemplo de que puede hacerse películas mexicanas con reflexiones que involucren el devenir del ser humano y hacia donde se dirige.