Cine mexicano: poética y resistencia

Un recorrido por el cine mexicano, que en más de cien años, y de manera vanguardista, ha cuestionado la idea de que la "civilización" se encuentre lejos de la naturaleza.

El arte nos da la oportunidad de reconocernos, de apreciar nuestro propio rostro. Además de darnos coordenadas existenciales, las verdades que lanza también nos dan la posibilidad de profundizar en las ideas que forman a nuestra sociedad.

El cine mexicano es una de esas verdades poéticas a las que podemos acercarnos para establecer un diálogo con la realidad no sólo de nuestro país, sino también con la realidad de nuestra civilización.

Estamos acostumbrados a apreciar el cine nacional como un espejo de nuestra identidad, y está bien que sea así: el arte de nuestro país se hunde en nuestras raíces, habla de nuestro espíritu, revela nuestros misterios, abre la posibilidad del reconocimiento propio para el espectador. El cine mexicano puede entenderse como un ver adentro, un explorar esas cuevas profundas de nuestra identidad, ya sea para contemplarla, como en la filmografía de Emilio Fernández, o para criticarla, como en algunos pasajes de la obra de Felipe Cazals. La noción del arte como un sitio de encuentro con uno mismo (de la que hablan pensadores contemporáneos como Gadamer) se cumple cabalmente en una sala de cine cuando el espectador mexicano se experimenta a sí mismo en un film. Así, obras como Salón México (E. Fernández, 1945), Nosotros los pobres (I. Rodríguez 1948), El reboso de Soledad (R. Gavaldón, 1952), Mecánica nacional (L. Alcoriza, 1971), y más recientemente, La ley de Herodes (L. Estrada, 1999), El infierno (L. Estrada, 2010), y Heli (A. Escalante, 2013) abren una grieta en el delicado hermetismo de nuestra gente (como bien plantea Octavio Paz en sus ensayos), para que tengamos la posibilidad de asistir al encuentro con eso que somos.

Dicho lo anterior, estamos conscientes de lo que el cine mexicano hace por nuestra cultura; sin embargo, es necesario preguntarnos qué es lo que nuestro cine puede ofrecerle a la humanidad. Es decir, ¿qué es aquello que nuestra tradición cinematográfica, de manera consciente o inconsciente, logra entrever de los problemas que aquejan a nuestra civilización? ¿qué tiene la escuela mexicana de cinematografía que contarle a nuestro mundo, este mundo contradictorio y angustiado, sobre los dilemas que nos amenazan? ¿cuál es esa verdad registrada por el cineasta que surge de nuestra industria en tanta obra de arte contemporánea?

Nuestro cine recoge las mismas intuiciones que movimientos como el romanticismo o el expresionismo alemán también experimentaron. Con el correr del tiempo, esas intuiciones se volverían certezas; tanto las escuelas artísticas de los finales del siglo XIX como las de los principios del XX lanzaron una idea sumamente inquietante y precisa: la sociedad puede ser tóxica. Esta sociedad de principios del siglo XX, creyente del progreso y la técnica como las salvaguardas de la civilización, pronto vería ante sus ojos una devastación sin precedentes; pensadores como Nietzsche, Freud y Primo Levi lo describen en sus ensayos más famosos. El cine de nuestro país tiene el acierto de lanzar su propia versión de la toxicidad de la civilización, y lo hace de una manera original, con un color auténtico matizado por el ojo de directores como Fernando de Fuentes, Arcady Boytler, Roberto Gavaldón, Emilio Fernández, y más recientemente, Arturo Ripstein y Carlos Reygadas. La poética de la angustia civilizatoria queda registrada magistralmente en algunas de las cintas más representativas de nuestra historia.

Esta intuición se fundamenta en una idea sencilla pero vigorosa: la oposición entre lo rural y lo urbano. Esta oposición calaría hondo en el imaginario histórico y filmográfico de nuestro país, y entregaría obras con un poder poético hipnotizante y vivo. En principio, esto puede ser entendido como la nostalgia hacia una edad de oro originaria. El contacto con la tierra, con la cuna cálida de donde nunca debimos salir y que se asimila a la madre primigenia lista a envolvernos en un regazo milenario en la que encontramos unidad, fue filmado de una u otra manera por todos los grandes directores, quienes presintieron el avance de lo urbano como una perversión, como una gran fuente de maldad que amenaza con tragarnos vivos para satisfacer sus pasiones y apetitos.

maría candelaria película

Desde mi punto de vista, el detonante ideológico fue el film ¡Que viva México! (1932) del legendario Sergei Eisenstein. En la primera parte del film, Eisenstein retrata su visión del mundo haciendo uso de los paisajes naturales del México de la época para crear una estética revolucionaria. El primer tramo de ¡Que viva México! alude a esa parte de la humanidad que permanece intocable, instalada en la inocencia milenaria de la tierra mítica. El montaje nos dirige de manera lenta pero decisiva a la erupción de la maldad encarnada en la conquista europea que trae consigo la contaminación de una conciencia, además de la enfermedad y la muerte. La ruptura es inevitable y profunda: el universo mítico, al entrar en contacto con la civilización invasora, cae en un cataclismo fatal del que jamás se llegaría a recuperar. El director parece apuntar a la idea de que el pasado debe tomarse en cuenta para solidificar el presente, cosa que la nueva civilización pasa por alto, arrasando por completo el único vinculo entre el nativo y su memoria, dejándolo desamparando en un mundo nuevo y hostil que no entiende ni le entiende. A partir de aquí, la risa, que había sido una constante a lo largo del film, es desterrada en nombre de los nuevos dueños del mundo. Ante esta soledad existencial sólo nos queda el refugio elemental del origen para defendernos de la catástrofe que sobreviene.

Esta misma idea es retomada por Emilio Fernández en María Candelaria (1944). La obra fue ganadora en Cannes, y es además uno de los filmes más emblemáticos de nuestro imaginario cinematográfico. María Candelaria es una mujer que pertenece a los pueblos que poblaron el antiguo Xochimilco, y esta marcada por un pasado que la persigue. En este contexto, es repudiada por los habitantes del lugar, quienes la acosan; además, gracias a su belleza, es sujeto de los deseos lascivos de don Damián, el cacique local, interpretado por el legendario Miguel Inclán. María sólo tiene dos cosas: el amor de Lorenzo Rafael y su parcela para cultivar flores enclavada en el fondo del laberinto de canales. La historia es narrada por un pintor, quien quiso reflejar la belleza y la tragedia de María Candelaria sin conseguirlo del todo.

 

En una escena en particular, María Candelaria lanza lo que podría considerarse un manifiesto de las intenciones poéticas de Fernández y que resume la idea que rastreamos en este texto. En la escena en cuestión, Lorenzo Rafael insta a María Candelaria a mudarse a la ciudad ya que los acosos del pueblo y el odio de don Damián han llegado a niveles críticos; es una diosa de belleza maldita e inocente, insoportable para sus rivales. María Candelaria le responde a su amado, su respuesta la enraíza a la tierra, la fija en un punto de la existencia, un punto casi mítico en el que debe germinar y persistir en ella misma a pesar de las vicisitudes que la rodean. Además, la posibilidad de la huida a la cuidad es considerada una imposibilidad ya que entiende lo urbano como un sitio donde la felicidad y la vida misma se vuelven insostenibles:

María Candelaria: “Aquí nacimos los dos, aquí hemos vivido siempre, esta es nuestra tierra, mira que negra, y que suave, cómo queres [sic] que nos vayamos.”

Lorenzo Rafael: “Los del pueblo no te queren [sic], ni a mí don Damián.”

María Candelaria: “No, no me queren, pero con los fuereños es pior [sic].”

En estas líneas presentimos el rumor del aliento de Eisenstein, mientras la mirada siempre virtuosa de Gabriel Figueroa (el fotógrafo del film) lanza la idea a niveles de maestría. Al mismo tiempo, subyace en estas palabras la imagen de lo urbano como la tierra baldía en donde nada florece, como el sitio impensable en donde el espíritu se seca; si bien el origen está instalado en lo problemático, lo urbano es una especie de Hades donde la existencia es irrealizable.

Esta visión se vuelve más clara en otros filmes del mismo director como La perla (1945) o Paloma herida (1964). En estos la corrupción de lo urbano o civilizado y su penetración en lo rural u originario produce un mundo sórdido, triste, enfermo, fragmentado y sometido que se acerca aún más al espíritu de ¡Que viva México! y que, a mi juicio, incluso logra superar artísticamente a su predecesor, mientras pronuncia con una voz muy particular los avatares del siglo de una manera sutil y verdadera.

En contraposición, al arrancar la segunda mitad del siglo XX, el cine americano, por ejemplo, fundamentaba su industria en dos tipos de filmes emblemáticos: los western y el cine negro. En estos géneros se detectan ideas que funcionan con otro espíritu. En los westerns, el afán civilizador y la llegada de sus representantes significa la aparición de la ley y el orden; la ausencia de esto desemboca en un estado de guerra de todos contra todos donde prevalece la ley de la selva. Mientras que la civilización es fuente de orden y progreso, lo originario es visto como lo salvaje, lo atrasado, lo indigno de ser tomado en cuenta, lo que debe ser borrado sin remedio y que simboliza un peligro para la humanidad; filmes como Centauros del desierto (J. Ford, 1956) y La venganza del muerto (C. Eastwood 1973) son una muestra de estas ideas. Por el otro lado, el cine negro, que irrumpe con fuerza en la segunda mitad del sigo XX, también plantea en general un mundo oscuro en donde las pasiones y la maldad sólo pueden ser controladas y desenmascaradas por el concurso de la técnica y de la razón, atributos que a menudo sirven como arma del personaje honesto y valiente que está dispuesto a enfrentarse a la aparición del horror; Gangsters en fuga (J. H. Lewis, 1955) y El extraño (O. Welles, 1946) describen este concepto perfectamente.

profundo carmesí película

El progreso a toda costa no era sólo una idea, la potencia económica y militar de Estados Unidos había logrado elevar el nivel de vida de sus habitantes significativamente, y su idea de sociedad se sustentaba en estos dos grandes pilares; por lo tanto, los genios cinematográficos de la época no podían sustraerse del ambiente cultural en el que creaban. Sin embargo, estas ideas tienen su raíz en la modernidad y no en lo que los expertos llaman lo contemporáneo. Es posible que nuestro cine tenga un toque más actual que el cine clásico americano, ya que al entender la civilización como algo tóxico se tratan ideas decididamente vigentes que la historia se encargaría de validar.

El cine mexicano continuaría su camino por los terrenos de la crítica a lo urbano; por ejemplo, en los setentas aparece la cinta Rapiña (1975) de Carlos Enrique Taboada, en los ochentas, El mil usos (1981) de Roberto Rivera, y en los noventa, Profundo carmesí (1996) de Arturo Ripstein. Estos filmes lograrían demostrar qué tan profundamente habitaba esta noción en nuestra consciencia nacional. En esta época, el país experimentó una migración de proporciones gigantescas: las comunidades buscaban una integración a los grandes núcleos citadinos a como diera lugar. Los directores vieron esto con recelo, de tal manera que en Rapiña asistimos a una gran meditación que actualiza las relaciones de lo rural con lo urbano, y en donde los protagonistas son afectados hasta la enfermedad cuando el progreso los alcanza, convirtiéndolos en seres viles y deformes espiritualmente, sin un sustento moral que los pueda proteger de la aparición de aquella perversidad que viene de fuera. En este caso, el progreso se impacta literalmente en lo profundo del bosque, depravando a quienes son tocados por la gran maldad que aparece de pronto y acabando irremediablemente con las reservas de inocencia y bondad que solían poseer los habitantes del lugar. El espectro del progreso provoca una convulsión que borra para siempre los rastros de lo original; esto convierte a los directores en herederos de la visión del mundo que se venía trabajando desde los años treintas y se presiente así una continuidad temática. 

rapiña película

el mil usos película

El recorrido es al revés en El mil usos: un habitante de un pequeño pueblo es tragado inmisericordemente por el gran pez de la ciudad, y no es capaz de establecer ninguna defensa ante la andanada de mezquindad a la que es sometido. En Profundo carmesí aparecen dos estafadores citadinos con un encanto muy particular que deciden abordar las agrestes regiones del norte de México con el fin de engañar a sus víctimas. 

Siguiendo esta línea de pensamiento, estamos ante un cine que habita en lo profundo de la conciencia, que no teme imbricarse con una poesía visual que denuncia los males de nuestro tiempo desde una perspectiva particular. Si el cine de otras latitudes nos invita a refugiarnos en el orden y el progreso para poder continuar con la existencia y hacerle frente a la aparición del horror, el cine mexicano sugiere una intuición mucho más fina que busca enfrentar y lanzar el reto de la resistencia ante la tormenta negra que representa la aparición de elementos falsamente civilizatorios.

Nuestro cine le da voz a todo aquel que resiste y duda de los supuestos avances de una sociedad que ha fracasado terriblemente tratando de imponer valores que parecían infalibles. La aparición de los fascismos, de las dictaduras militares latinoamericanas, de las guerras mundiales, del tremendo daño ecológico que hemos perpetrado a nosotros mismos, y de la ruindad e inseguridad de las ciudades en las que vivimos parecen darle la razón a la escuela mexicana de cine, que se erige como una conciencia universal activa y combativa, a la que podemos acudir para cuestionar a quienes pretendan convertirse en dueños del mundo. Al final de cuentas, tenemos al arte para sobrevivir a la noche de los tiempos.

Samuel Rodríguez Medina
Autor: Samuel Rodríguez Medina
Samuel Rodríguez Medina es graduado del master en Filosofía contemporánea con acentuación en artes por la Universidad de Granada. De 2014 a la fecha es profesor de Estética y Arte contemporáneo en el Tecnológico de Monterrey, campus Monterrey. Es autor de blog "Neuma" www.rodriguezsamuel.wordpress.com que es seguido en mas de 10 países.

6 películas mexicanas entre las más esperadas del 2020

Óperas primas y cintas de directores galardonados; historias desgarradoras, catárticas, satíricas: estas películas mexicanas lo tienen todo.

La década pasada nos dejó grandes películas mexicanas. El cine nacional creció y se vio representado por largometrajes excelentes, con una gama de temas tan variados como bien trabajados. Cintas de ficción maravillosas, como La camarista, Roma o El vigilante, entre otras. Documentales devastadores y con atención hasta al más mínimo detalles: Hasta los Dientes, Tempestad y La Libertad del Diablo, por solo mencionar algunos.

Sin embargo, es tiempo de dar vuelta a la página e inaugurar un nuevo capítulo en la historia del séptimo arte en nuestro país. El inicio de la nueva década se ve muy prometedor; nuevos ojos y miradas experimentadas se juntan para ofrecer una cartelera digna de mención. Sin más, las 6 películas mexicanas más esperadas del 2020:

Los Lobos (Samuel Kishi)

Estreno: 30 de abril

Seis años después de su ópera prima, Somos Mari Prepa, la cual estuvo nominada al Ariel, Kishi nos convierte en viajeros junto a una madre y sus dos hijos, quienes emigran a Estados Unidos en busca de una mejor vida. La resiliencia, la esperanza y las ansias de vivir marcan cada momento de esta película. Los Lobos nos muestra que, incluso en las situaciones más oscuras, el espíritu humano siempre logra encontrar un fino haz de luz que lo empuja a seguir adelante y no rendirse.

Lo que Algunos Soñaron (Michel Franco)

Estreno: 26 de junio

peliculas-mexicanas
Imagen de: cinepremiere.com.mx

Otra visión desesperanzadora de la situación de nuestro país, pero ejecutada con una cinematografía impecable, que te obligará a reconocer la sutil belleza de su escenario distópico. Es el México actual llevado a su extremo, a sus límites inimaginables (pero cada vez más cercanos). La desigualdad y marginación tan características de México son palpables a través de la pantalla, y fungen como una advertencia para alejarnos del deplorable camino que estamos transitando. Cabe destacar que esta película tiene la oportunidad de debutar en Cannes.

Blanco de Verano (Rodrigo Ruiz Patterson)

Estreno por confirmar.

peliculas-mexicanas
Imagen de: sundance.org

La dieciseisava producción del programa de óperas primas del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) retrata el difícil viaje de la infancia a la madurez. Todos los elementos que irrumpen en nuestra burbuja infantil y nos muestran atisbos, a veces desgarradores, de la realidad, están ahí. Esta película estilo “coming of age” tiene cosas con las que todos nos podemos identificar. Además, es una de las cintas seleccionadas para representar a México en la edición 2020 del Festival Sundance.

El Camino del Sol (Claudia Sainte-Luce)

Estreno por confirmar.

peliculas-mexicanas
filmaffinity.com

La maravillosa cineasta Claudia Sainte-Luce, directora de obras maestras como Los Insólitos Peces Gato y La Caja Vacía, llega con su tercer largometraje, el cual ofrece una visión muy personal e impactante de la situación de los desaparecidos en México. Después de que Christian es secuestrado a las afueras de su casa, con apenas siete años de edad, su madre comienza una búsqueda implacable, ante la indiferencia de las autoridades. Esta historia, que te estrujará el corazón, retrata a la perfección el viacrucis que viven los familiares de aquellos que se llevaron.

Noche de fuego (Tatiana Huezo)

Estreno por confirmar.

peliculas-mexicanas
Imagen de: latempestad.mx

Tatiana Huezo regresa a la gran pantalla después de ganar el Ariel a Mejor Dirección con su documental Tempestad. A pesar de adentrarse en la ficción, la historia de su segundo largometraje se siente tan cruda, tan cercana, que supera la realidad. Una niña de seis años intenta hacerse pasar por niño, para escapar la violencia que la acecha a cada momento. Otro punto de vista muy particular, pero igual de impactante, de los horribles eventos que acontecen en nuestro país. Esta cinta podría estrenarse en la Berlinale 2020, donde también debutó Tempestad

Sin Señas Particulares (Fernanda Valadez)

Estreno por confirmar.

¿Listo para que tu corazón se estruje una vez más? La última película de nuestra lista es otra de incertidumbre y desesperanza, pero contrastada por el compañerismo y la compasión de los que puede llegar a ser capaz el ser humano: las dos caras de una moneda. Los desaparecidos de México vuelven a ser la historia de fondo. En esta ocasión, Magdalena emprende la desgarradora búsqueda de su hijo, perdido en el camino rumbo a la frontera con Estados Unidos. Miguel, un joven que fue deportado del país al que todos intentan llegar, se encuentra con ella y la acompaña en su travesía. Este largometraje también forma parte de la selección oficial de Sundance 2020.

Así termina la lista de las 6 películas mexicanas más esperadas del 2020. La temática se repite, pero no hay cómo evitarla: la situación de México trasciende todas las profesiones y expresiones artísticas; es la realidad en que vivimos; tal vez retratarla nos ayude a trascenderla.

También en Más de México: mexicanos crean una piel sintética de nopal que impone tendencia.

*Imagen destacada de: sundance.org

Pozole: un entrañable y divertido cortometraje sobre ser chicano

Buscando reencontrarse con un lado de su identidad, Maia visita a su familia mexicana y, por supuesto, todo sale chistosamente mal. Ve este genial cortometraje aquí.

Ser mexicano es un juego de azar. En el enorme espectro de diversidades y posibilidades, nunca sabes cómo te toca representar a este inmenso país. Especialmente porque tenemos 32 estados ultra distintos, 68 idiomas, miles de colores e infinitas culturas de las que eres parte en mayor o menor medida. 

Sin embargo, una identidad tan elusiva, cambiante y variada como la mexicana tiene que buscar de dónde agarrarse para poder afirmar su propia existencia. Así que nunca faltan los rasgos esterotípicos y los clichés, que casi adquieren un carácter sagrado entre las familias, sobre todo, las que son atravesadas por la “binacionalidad”. 

Es el caso de muchas familias chicanas que, empapadas de la también compleja cultura estadounidense, buscan, a como de lugar, rasgos a los cuales anclarse para poder decirse mexicanos. Y es que, cuando se trata de identidad, ¿qué tanto se podrá estirar la liga, sin perderse? 

Un poco de esto retrata de forma super ingeniosa, divertida y entrañable “Pozole” (2019), un cortometraje dirigido por Jessica Méndez Siqueiros, chicana y vegana. 

Pozole, un entrañable corto sobre ser chicana y vegana

Buscando reencontrarse con el lado mexicano de su identidad, Maia, una chica con identidad binacional, pero que apenas habla español, visita a su familia mexicana en el cumpleaños de su abuelita y, por supuesto, todo sale chistosamente mal. La pieza tiene tintes auto-reflexivos, pues —como su personaje— Jessica Méndez había conectado poco con su lado “latino”  y con la forma en que los rasgos personales de su propia identidad la alejan de “lo mexicano”. 

Desde su visión, no saber español y, sobre todo, ser vegana son casi pecados mortales a los ojos de una familia “tradicional mexicana”, que, por supuesto, pone la carne y el maíz al centro de la dieta y las ganas enormes de hablar y echar el chisme constante como eje central de la conexión social. 

Como ella lo explica: para la comunidad chicana, no hablar español y no comer carne es “un asunto más grave, porque hay una sensación de pérdida si decides dejar ir algo que es tan culturalmente importante.”

En el corto, la noticia de que Maia “la gringa” es vegana, genera tanto shock que termina por matar a la abuela y eso provoca un caos tremendo entre los otros tíos, tías y primos que salen a escena. Con este panorama frente a ella, Maia debe decidir si aflojar un poco su identidad personal —por lo menos por un rato— para acercarse a su familia o alienarse. La conclusión es brillante y preciosa. 

cine-mexicano-cortometraje-chicano-comedia

Aunque, lentamente, la industria cinematográfica comienza a abandonar los clichés sobre la mexicanidad, aún queda mucho trabajo por hacer. “Pozole” es muy ingenioso en ese sentido: los clichés no son gratuitos, sino que develan lo frágil que es en realidad la identidad nacional y lo mucho que necesita estas anclas para definirse hacia el exterior. Por otro lado, la composición visual es preciosa y sin duda, cada detalle recuerda a México porque provoca cierta nostalgia. 

Además, que Méndez se haya inspirado en la cinematografía de Wes Anderson para generar sus encuadres y colorear la fotografía, es otro punto a favor: nos dice que se quiere tomar en serio esta narración y la vuelve personal: está hablando del otro, mientras se narra a sí misma; en lugar de hablar de lo mexicano con un tono visual “folklorizado”, como hacen muchos otros.

También en Más de México: Este video reinventa ingeniosamente los clichés de la identidad nacional

“Pozole” es para disfrutar y compartir, como una buena comida familiar, con sus dramas, sus risas, sus enojos y cuestionamientos sobre la propia identidad y pertenencia:

Cine en línea para celebrar lo mejor de la producción nacional

Una fina curaduría que podrás apreciar sin salir de tu casa, cortesía de Netflix y FilmIn Latino.

La potencia máxima del cine reside, tal vez, en que nos permite adentrarnos íntimamente en vidas que por nuestra cuenta no podríamos ni sospechar. Así, nos vuelve mucho más empáticos y nos ayuda a reconocer el contexto que define la existencia de otros; a veces nos ofrece pautas para ayudar a cambiar estas circunstancias y en otros casos nos propone cambiar nosotros

Por eso el cine es uno de los mejores medios para tratar de navegar el mar de influencias culturales y problemáticas sociales que se unen para formar el tejido que llamamos identidad nacional. Felizmente, plataformas como Netflix y FilminLatino te permiten disfrutar de esta producción sin salir de casa. 

También en Más de México: Cine mexicano: poética y resistencia

Recientemente, Netflix agregó a su colección algunas relevantes películas mexicanas para celebrar el Día Nacional del Cine y también para ir calentando motores para las “fiestas patrias”. Por su lado, FilminLatino hizo una selección de buen cine contemporáneo, pero que solo estará disponible hasta el 22 de agosto. Aunque no te olvides del catálogo en línea que resguardan con puro material gratuito. Es una colección enorme, cortesía del IMCINE, puedes acceder a ella aquí

Te compartimos a continuación algunos de los títulos que podrás ver en las plataformas:

También en Más de México: 50 películas esenciales en la historia del cine mexicano

En Netflix

La colección de Netflix viene con cine de chile, mole, pozole; de verdad: hay algo para todos los gustos. Destacan dos intensas piezas documentales que, aunque muy difíciles de digerir, han probado ser vitales en la labor de concientización y denuncia social en torno a la violencia. Se trata de “Ayotzinapa, el paso de la tortuga” y “Hasta los dientes”. 

Ayotzinapa, el paso de la tortuga (Enrique García, 2017)

Hasta los dientes (Alberto Arnaut, 2018)

Además, hay un par de ficciones que no dejan de retratar realidades locales, aunque se permiten algunos juegos narrativos:

Las elegidas (David Pablos, 2015)

Te prometo anarquía (Julio Hernández, 2015)

Para aligerar, puedes también disfrutar alguna de estas propuestas. “Tiempo compartido” raya entre la comedia y el suspenso, es una pieza muy extraña, pero te va a hacer reír y la actuación de Luis Gerardo Méndez es muy interesante. “El club de los insomnes” y “Almacenados” son historias entrañables, sobre amistades insólitas.

Tiempo compartido (Sebastián Hoffman, 2018)

El club de los insomnes (Giordano y Giordano, 2018)

Almacenados (Jack Zagha, 2015)

Y si no es suficiente estos son otros títulos disponibles: 

  1. “La dictadura perfecta” (Luis Estrada, 2014)
  2. “La vida inmoral de la pareja ideal” (Manolo Caro, 2016)
  3. “Camino a Marte” (Humberto Hinojosa, 2017)
  4. “Bayoneta” (Kyzza Terrazas, 2018)
  5. “Sexo, pudor y lágrimas” (Antonio Serrano, 1999)
  6. “Bellas de noche” (María José Cuevas, 2016)
  7. La delgada línea amarilla (Celso García, 2015)
  8. Roma (Alfonso Cuarón, 2018)
  9. El cumple de la abuela (Javier Colinas, 2015)
  10. Un padre no tan padre (Raúl Martínez, 2016)
  11. Los parecidos (Isaac Ezban, 2015)
  12. Semana Santa (Alejandra Márquez, 2015)
  13. La carga (Alan Jonsson, 2015).

FilmInLatino

Estas son las joyas que podrás disfrutar hasta el 22 de agosto:

La casa más grande el mundo (Bojórquez y Carreras, 2015)

El Remolino (Laura Herrero, 2016)

El sueño de Mara’akame (Federico Cecchetti, 2016)

Tío Yim (Luna Marán, 2019)

También en Más de México: 7 cosas (muy buenas) que pasan cuando consumes cine nacional