Cine mexicano: poética y resistencia

Un recorrido por el cine mexicano, que en más de cien años, y de manera vanguardista, ha cuestionado la idea de que la "civilización" se encuentre lejos de la naturaleza.

El arte nos da la oportunidad de reconocernos, de apreciar nuestro propio rostro. Además de darnos coordenadas existenciales, las verdades que lanza también nos dan la posibilidad de profundizar en las ideas que forman a nuestra sociedad.

El cine mexicano es una de esas verdades poéticas a las que podemos acercarnos para establecer un diálogo con la realidad no sólo de nuestro país, sino también con la realidad de nuestra civilización.

Estamos acostumbrados a apreciar el cine nacional como un espejo de nuestra identidad, y está bien que sea así: el arte de nuestro país se hunde en nuestras raíces, habla de nuestro espíritu, revela nuestros misterios, abre la posibilidad del reconocimiento propio para el espectador. El cine mexicano puede entenderse como un ver adentro, un explorar esas cuevas profundas de nuestra identidad, ya sea para contemplarla, como en la filmografía de Emilio Fernández, o para criticarla, como en algunos pasajes de la obra de Felipe Cazals. La noción del arte como un sitio de encuentro con uno mismo (de la que hablan pensadores contemporáneos como Gadamer) se cumple cabalmente en una sala de cine cuando el espectador mexicano se experimenta a sí mismo en un film. Así, obras como Salón México (E. Fernández, 1945), Nosotros los pobres (I. Rodríguez 1948), El reboso de Soledad (R. Gavaldón, 1952), Mecánica nacional (L. Alcoriza, 1971), y más recientemente, La ley de Herodes (L. Estrada, 1999), El infierno (L. Estrada, 2010), y Heli (A. Escalante, 2013) abren una grieta en el delicado hermetismo de nuestra gente (como bien plantea Octavio Paz en sus ensayos), para que tengamos la posibilidad de asistir al encuentro con eso que somos.

Dicho lo anterior, estamos conscientes de lo que el cine mexicano hace por nuestra cultura; sin embargo, es necesario preguntarnos qué es lo que nuestro cine puede ofrecerle a la humanidad. Es decir, ¿qué es aquello que nuestra tradición cinematográfica, de manera consciente o inconsciente, logra entrever de los problemas que aquejan a nuestra civilización? ¿qué tiene la escuela mexicana de cinematografía que contarle a nuestro mundo, este mundo contradictorio y angustiado, sobre los dilemas que nos amenazan? ¿cuál es esa verdad registrada por el cineasta que surge de nuestra industria en tanta obra de arte contemporánea?

Nuestro cine recoge las mismas intuiciones que movimientos como el romanticismo o el expresionismo alemán también experimentaron. Con el correr del tiempo, esas intuiciones se volverían certezas; tanto las escuelas artísticas de los finales del siglo XIX como las de los principios del XX lanzaron una idea sumamente inquietante y precisa: la sociedad puede ser tóxica. Esta sociedad de principios del siglo XX, creyente del progreso y la técnica como las salvaguardas de la civilización, pronto vería ante sus ojos una devastación sin precedentes; pensadores como Nietzsche, Freud y Primo Levi lo describen en sus ensayos más famosos. El cine de nuestro país tiene el acierto de lanzar su propia versión de la toxicidad de la civilización, y lo hace de una manera original, con un color auténtico matizado por el ojo de directores como Fernando de Fuentes, Arcady Boytler, Roberto Gavaldón, Emilio Fernández, y más recientemente, Arturo Ripstein y Carlos Reygadas. La poética de la angustia civilizatoria queda registrada magistralmente en algunas de las cintas más representativas de nuestra historia.

Esta intuición se fundamenta en una idea sencilla pero vigorosa: la oposición entre lo rural y lo urbano. Esta oposición calaría hondo en el imaginario histórico y filmográfico de nuestro país, y entregaría obras con un poder poético hipnotizante y vivo. En principio, esto puede ser entendido como la nostalgia hacia una edad de oro originaria. El contacto con la tierra, con la cuna cálida de donde nunca debimos salir y que se asimila a la madre primigenia lista a envolvernos en un regazo milenario en la que encontramos unidad, fue filmado de una u otra manera por todos los grandes directores, quienes presintieron el avance de lo urbano como una perversión, como una gran fuente de maldad que amenaza con tragarnos vivos para satisfacer sus pasiones y apetitos.

maría candelaria película

Desde mi punto de vista, el detonante ideológico fue el film ¡Que viva México! (1932) del legendario Sergei Eisenstein. En la primera parte del film, Eisenstein retrata su visión del mundo haciendo uso de los paisajes naturales del México de la época para crear una estética revolucionaria. El primer tramo de ¡Que viva México! alude a esa parte de la humanidad que permanece intocable, instalada en la inocencia milenaria de la tierra mítica. El montaje nos dirige de manera lenta pero decisiva a la erupción de la maldad encarnada en la conquista europea que trae consigo la contaminación de una conciencia, además de la enfermedad y la muerte. La ruptura es inevitable y profunda: el universo mítico, al entrar en contacto con la civilización invasora, cae en un cataclismo fatal del que jamás se llegaría a recuperar. El director parece apuntar a la idea de que el pasado debe tomarse en cuenta para solidificar el presente, cosa que la nueva civilización pasa por alto, arrasando por completo el único vinculo entre el nativo y su memoria, dejándolo desamparando en un mundo nuevo y hostil que no entiende ni le entiende. A partir de aquí, la risa, que había sido una constante a lo largo del film, es desterrada en nombre de los nuevos dueños del mundo. Ante esta soledad existencial sólo nos queda el refugio elemental del origen para defendernos de la catástrofe que sobreviene.

Esta misma idea es retomada por Emilio Fernández en María Candelaria (1944). La obra fue ganadora en Cannes, y es además uno de los filmes más emblemáticos de nuestro imaginario cinematográfico. María Candelaria es una mujer que pertenece a los pueblos que poblaron el antiguo Xochimilco, y esta marcada por un pasado que la persigue. En este contexto, es repudiada por los habitantes del lugar, quienes la acosan; además, gracias a su belleza, es sujeto de los deseos lascivos de don Damián, el cacique local, interpretado por el legendario Miguel Inclán. María sólo tiene dos cosas: el amor de Lorenzo Rafael y su parcela para cultivar flores enclavada en el fondo del laberinto de canales. La historia es narrada por un pintor, quien quiso reflejar la belleza y la tragedia de María Candelaria sin conseguirlo del todo.

 

En una escena en particular, María Candelaria lanza lo que podría considerarse un manifiesto de las intenciones poéticas de Fernández y que resume la idea que rastreamos en este texto. En la escena en cuestión, Lorenzo Rafael insta a María Candelaria a mudarse a la ciudad ya que los acosos del pueblo y el odio de don Damián han llegado a niveles críticos; es una diosa de belleza maldita e inocente, insoportable para sus rivales. María Candelaria le responde a su amado, su respuesta la enraíza a la tierra, la fija en un punto de la existencia, un punto casi mítico en el que debe germinar y persistir en ella misma a pesar de las vicisitudes que la rodean. Además, la posibilidad de la huida a la cuidad es considerada una imposibilidad ya que entiende lo urbano como un sitio donde la felicidad y la vida misma se vuelven insostenibles:

María Candelaria: “Aquí nacimos los dos, aquí hemos vivido siempre, esta es nuestra tierra, mira que negra, y que suave, cómo queres [sic] que nos vayamos.”

Lorenzo Rafael: “Los del pueblo no te queren [sic], ni a mí don Damián.”

María Candelaria: “No, no me queren, pero con los fuereños es pior [sic].”

En estas líneas presentimos el rumor del aliento de Eisenstein, mientras la mirada siempre virtuosa de Gabriel Figueroa (el fotógrafo del film) lanza la idea a niveles de maestría. Al mismo tiempo, subyace en estas palabras la imagen de lo urbano como la tierra baldía en donde nada florece, como el sitio impensable en donde el espíritu se seca; si bien el origen está instalado en lo problemático, lo urbano es una especie de Hades donde la existencia es irrealizable.

Esta visión se vuelve más clara en otros filmes del mismo director como La perla (1945) o Paloma herida (1964). En estos la corrupción de lo urbano o civilizado y su penetración en lo rural u originario produce un mundo sórdido, triste, enfermo, fragmentado y sometido que se acerca aún más al espíritu de ¡Que viva México! y que, a mi juicio, incluso logra superar artísticamente a su predecesor, mientras pronuncia con una voz muy particular los avatares del siglo de una manera sutil y verdadera.

En contraposición, al arrancar la segunda mitad del siglo XX, el cine americano, por ejemplo, fundamentaba su industria en dos tipos de filmes emblemáticos: los western y el cine negro. En estos géneros se detectan ideas que funcionan con otro espíritu. En los westerns, el afán civilizador y la llegada de sus representantes significa la aparición de la ley y el orden; la ausencia de esto desemboca en un estado de guerra de todos contra todos donde prevalece la ley de la selva. Mientras que la civilización es fuente de orden y progreso, lo originario es visto como lo salvaje, lo atrasado, lo indigno de ser tomado en cuenta, lo que debe ser borrado sin remedio y que simboliza un peligro para la humanidad; filmes como Centauros del desierto (J. Ford, 1956) y La venganza del muerto (C. Eastwood 1973) son una muestra de estas ideas. Por el otro lado, el cine negro, que irrumpe con fuerza en la segunda mitad del sigo XX, también plantea en general un mundo oscuro en donde las pasiones y la maldad sólo pueden ser controladas y desenmascaradas por el concurso de la técnica y de la razón, atributos que a menudo sirven como arma del personaje honesto y valiente que está dispuesto a enfrentarse a la aparición del horror; Gangsters en fuga (J. H. Lewis, 1955) y El extraño (O. Welles, 1946) describen este concepto perfectamente.

profundo carmesí película

El progreso a toda costa no era sólo una idea, la potencia económica y militar de Estados Unidos había logrado elevar el nivel de vida de sus habitantes significativamente, y su idea de sociedad se sustentaba en estos dos grandes pilares; por lo tanto, los genios cinematográficos de la época no podían sustraerse del ambiente cultural en el que creaban. Sin embargo, estas ideas tienen su raíz en la modernidad y no en lo que los expertos llaman lo contemporáneo. Es posible que nuestro cine tenga un toque más actual que el cine clásico americano, ya que al entender la civilización como algo tóxico se tratan ideas decididamente vigentes que la historia se encargaría de validar.

El cine mexicano continuaría su camino por los terrenos de la crítica a lo urbano; por ejemplo, en los setentas aparece la cinta Rapiña (1975) de Carlos Enrique Taboada, en los ochentas, El mil usos (1981) de Roberto Rivera, y en los noventa, Profundo carmesí (1996) de Arturo Ripstein. Estos filmes lograrían demostrar qué tan profundamente habitaba esta noción en nuestra consciencia nacional. En esta época, el país experimentó una migración de proporciones gigantescas: las comunidades buscaban una integración a los grandes núcleos citadinos a como diera lugar. Los directores vieron esto con recelo, de tal manera que en Rapiña asistimos a una gran meditación que actualiza las relaciones de lo rural con lo urbano, y en donde los protagonistas son afectados hasta la enfermedad cuando el progreso los alcanza, convirtiéndolos en seres viles y deformes espiritualmente, sin un sustento moral que los pueda proteger de la aparición de aquella perversidad que viene de fuera. En este caso, el progreso se impacta literalmente en lo profundo del bosque, depravando a quienes son tocados por la gran maldad que aparece de pronto y acabando irremediablemente con las reservas de inocencia y bondad que solían poseer los habitantes del lugar. El espectro del progreso provoca una convulsión que borra para siempre los rastros de lo original; esto convierte a los directores en herederos de la visión del mundo que se venía trabajando desde los años treintas y se presiente así una continuidad temática. 

rapiña película

el mil usos película

El recorrido es al revés en El mil usos: un habitante de un pequeño pueblo es tragado inmisericordemente por el gran pez de la ciudad, y no es capaz de establecer ninguna defensa ante la andanada de mezquindad a la que es sometido. En Profundo carmesí aparecen dos estafadores citadinos con un encanto muy particular que deciden abordar las agrestes regiones del norte de México con el fin de engañar a sus víctimas. 

Siguiendo esta línea de pensamiento, estamos ante un cine que habita en lo profundo de la conciencia, que no teme imbricarse con una poesía visual que denuncia los males de nuestro tiempo desde una perspectiva particular. Si el cine de otras latitudes nos invita a refugiarnos en el orden y el progreso para poder continuar con la existencia y hacerle frente a la aparición del horror, el cine mexicano sugiere una intuición mucho más fina que busca enfrentar y lanzar el reto de la resistencia ante la tormenta negra que representa la aparición de elementos falsamente civilizatorios.

Nuestro cine le da voz a todo aquel que resiste y duda de los supuestos avances de una sociedad que ha fracasado terriblemente tratando de imponer valores que parecían infalibles. La aparición de los fascismos, de las dictaduras militares latinoamericanas, de las guerras mundiales, del tremendo daño ecológico que hemos perpetrado a nosotros mismos, y de la ruindad e inseguridad de las ciudades en las que vivimos parecen darle la razón a la escuela mexicana de cine, que se erige como una conciencia universal activa y combativa, a la que podemos acudir para cuestionar a quienes pretendan convertirse en dueños del mundo. Al final de cuentas, tenemos al arte para sobrevivir a la noche de los tiempos.

Samuel Rodríguez Medina
Autor: Samuel Rodríguez Medina
Samuel Rodríguez Medina es graduado del master en Filosofía contemporánea con acentuación en artes por la Universidad de Granada. De 2014 a la fecha es profesor de Estética y Arte contemporáneo en el Tecnológico de Monterrey, campus Monterrey. Es autor de blog "Neuma" www.rodriguezsamuel.wordpress.com que es seguido en mas de 10 países.

Netflix prepara una masiva cantidad de películas y series producidas en México

Netflix prepara más de 50 series y películas producidas en México para 2019 y 2020.

Con el claro reto de sacudir una larga historia de entretenimiento telenovelero y contenidos poco estimulantes para el  imaginario, o eso esperamos, Netflix prepara una verdadera cruzada de producciones mexicanas. Evidentemente el mercado mexicano no es una cancha nueva para el gigante mediático de la era digital; basta con recordar que Roma (2018), la aclamada cinta de Alfonso Cuarón, fue una producción netflixera, además de varias series, entre ellas Club de cuervos, Luis Miguel, La casa de las flores, Ingobernable y La piloto.

Si bien Netflix presume que esta nueva ola de producciones mexicanas (se tienen contempladas más de 50 durante los próximos dos años, entre series y películas) será un vehículo para, en palabras de Ted Sarandos, CCO de Netflix, “proveer una plataforma para que el talento mexicano se reconozca alrededor del mundo”, también esperamos dos cosas esenciales de esta oleada:

Calidad

1. Que realmente se eleve la calidad del contenido producido en México para un público amplio –y no dicho en un sentido snob o intelectualoide, sino deseando narrativas accesibles pero también propositivas, placenteras y entretenidas, pero también estimulantes y que incentiven la madurez mediática del imaginario.

Identidad

2. Que dichas narrativas se construyan realmente en torno a la identidad mexicana y no atendiendo a una faceta de la globalización cultural que termina uniformando las identidades a favor de estereotipos globales, en buena medida dictados por el entretenimiento hollywoodense y afines. 

En fin, a continuación te compartimos un promo llamado “Listos para lo que sigue. Netflix México, pronto” producido por esta compañía para celebrar su próximo lance en este país (y que, por cierto, esperemos que no refleje el tono ni acercamiento con el que se abordara esta generación de contenidos).

¿Qué sigue para Netflix México?

Estas son algunas de las producciones más interesantes anunciadas por Netflix para México, además de las secuelas de series que en los últimos cuatro años ya fueron probadamente exitosas:

Rio Grande, Rio Bravo (serie de cinco cortos documentales sobre temas fronterizos, cuyo productor ejecutivo es Gael  García)

 Los corruptores (un thriller basado en la novela homónima de Jorge Zepeda Patterson)

 

15 películas mexicanas que se estrenan durante 2019 y que prometen ser imperdibles

2018 fue un año increíble para el cine y los cineastas mexicanos, pero 2019 pinta igual o mejor.

2018 fue sin duda un año increíble para el cine mexicano. La producción local nos dejó un delicioso sabor de boca. Desde las enormes propuestas que han puesto la compleja diversidad de México en el mapa (como “Roma”, claro), las protagonizadas por los actores favoritos (como “Museo”) y hasta los increíbles proyectos alternativos, el cine mexicano anda con todo.

Afortunadamente ese ritmo no parece estar disminuyendo con el año nuevo, al contrario, 2019 pinta igual o mejor. A continuación te presentamos 15 películas mexicanas que se estrenan este año y prometen ser increíbles. Algunas no han confirmado su fecha de estreno, pero estaremos actualizando esta lista, para mantenerte actualizado.

Los años azules

Ópera prima de Sofía Gómez Córdova, que ya ha generado bastante ruido en festivales de cine como el de Guanajuato y Guadalajara. Además fue nominada a Mejor ópera prima en los premios Ariel 2018. La película explora la complejidad de las relaciones cuando se comparte casa. La película ya está disponible en cines.

Las niñas bien

La película de Alejandra Márquez Abella estrenará el 22 de marzo y está basada en la exitosa novela de 1987 de Guadalupe Loaeza. Es una mirada a la “alta sociedad” mexicana, tratando de mantener su identidad y forma de vida mientras atraviesa la crisis de la década de los 80.

Cómprame un revólver

Probablemente una de las más esperadas del año, cortesía del genial Julio Hernández Cordón (quien también dirigió la imperdible “Te prometo anarquía”). El 12 de abril llega a los cines una película que extrapola a un futuro no lejano, pero definitivamente apocalítico, la violencia social que ya azota México.

Asfixia

De Kenya Márquez, la película que estrenará en abril explora el complejo contexto racial y racista de nuestro país.

Día de muertos

cine-mexicano-estrenos-peliculas-mexicanas-2019

Hecha 100% por mexicanos, la animación que fue desafortunadamente opacada por “Coco” por fin será estrenada en noviembre de este año. Dirigida por Carlos Gutiérrez Medrano la historia no tiene nada que ver con la animación de Pixar y promete ser una preciosa celebración de nuestra tradición favorita.

Un abrazo de tres minutos

cine-mexicano-estrenos-peliculas-mexicanas-2019

Del director Everardo González (La libertad del diablo) un nuevo documental, ahora producido por Netflix y con ayuda de Gael García Bernal, sobre el instante en que, anualmente, las familias separadas por la frontera México-Estados Unidos se reúnen por unos minutos. La fecha de estreno aún no está confirmada por la plataforma.

La camarista

“Roma” sentó precedente para tener conversaciones serias sobre la desigualdad social en México. Esta película, en ese sentido, le sigue los pasos, explorando la vida de una camarista interpretada por Gabriela Cartol. La ópera prima de Lila Áviles aún no confirma su fecha de estreno.

Chicuarotes

cine-mexicano-estrenos-peliculas-mexicanas-2019

Dirigida por el brillante actor Gael García Bernal, la película explora las vidas de los “chicuarotes”. Así le llaman a los pobladores de San Gregorio Atlapulco en Xochimilco, una de las regiones, por cierto, más afectadas por el sismo de 2017. Aún no se confirma la fecha de estreno.

Clases de historia

De Marcelino Islas, el trailer de esta película nos genera mucha intriga. La breve sinopsis describe que una mujer con cáncer terminal, entraña amistad con una adolescente muy intensa que hará valer cada segundo que le queda de vida. La fecha de estreno no ha sido confirmada.

El sueño del Mara’akame

La ópera prima de Federico Cecchetti aún no anuncia su fecha de estreno, pero nosotros ya estamos en la orilla de nuestro asiento, pues la ficción premiada por el Festival Internacional de Cine de Morelia y ganadora de dos premios Ariel, se describe a sí misma como un “retrato sincero de la comunidad huichol de Jalisco”.

Restos de viento

De Jimena Montenayor, aún sin confirmar su fecha de estreno, la película ganadora de tres premios del FICG (2018) es una ficción que explora el duelo a través de dos personajes infantiles; definitivamente una mirada que acostumbramos dejar en segundo plano.

Esto no es Berlín

cine-mexicano-estrenos-peliculas-mexicanas-2019

Aunque aún no se anuncia la fecha de estreno, hay que tener en mente esta película que fue seleccionada para participar en el Festival de Sundance 2019. El filme de Hari Sama, recupera memorias del propio director para narrar los movimientos artísticos y contraculturales que nacieron en la Ciudad Satélite de los años 80. La nominada al Oscar Marina de Tavira es parte del elenco.

M

La documentalista Eva Villaseñor ha trabajado con la memoria como concepto, explorando incluso sus propias memorias. Con este documental, lo que busca es desentrañar la vida de su hermano. El resultado fue premiado en el FICM 2018 con el galardón “Ambulante”, así que, bien podría ser uno de los mejores del año.

Noches de julio

El trailer de la ópera prima de Axel Muñoz pinta muy interesante. Se describe como una ficción que explora las relaciones humanas en un mundo que apuesta, tal vez, por disminuir ese contacto.

Rencor tatuado

De Julián Hernández, esta película que aún no anuncia fecha de estreno, explora la crisis de la violencia de género a través de una ficción situada en la Ciudad de México de los años 90.

También en Más de México: 7 cosas (muy buenas) que pasan cuando consumes cine nacional

7 películas nacionales están incluidas en la colección más exquisita de cine

Ejemplos arriesgados, honestos y conmovedores que, según esta fina lista, no te puedes perder.

Al cine nacional sin duda le hace falta reconocimiento, especialmente de parte de los mexicanos. No solo preferimos el cine taquillero estadounidense sobre la producción local; también alimentamos constantemente el equivocado perjuicio de que en México no se hace buen cine.

Por suerte, nuestro cine se está ganando un lugar muy relevante en los festivales, listas y colecciones más exquisitos del planeta. Entre ellos The Criterion Collection en donde la creación mexicana es representada por 7 ejemplos arriesgados, honestos y conmovedores que tienes que conocer.

The Criterion Collection es una distribuidora de películas en formato “doméstico” (que las puedes consumir en tu casa) con una curaduría bien cuidada e inteligente. Los títulos que distribuyen son notables en sus respectivos géneros, sin importar que sean clásicos, contemporáneos, comerciales o “de arte”, de alto o bajo presupuesto. La cosa es que son una representación de lo mejor del cine en cada una de sus formas. En ese sentido, es un privilegio ser seleccionado para formar parte de la selección.

Además, sus versiones son muy especiales, pues mantienen la mejor calidad audiovisual, además de incluir  múltiples contenidos adicionales especiales para hacer de la película una experiencia pedagógica.

Así, hay que celebrar que nuestro cine figura en esta colección y, utilizar el pretexto para aprender un poco de lo mejor del cine nacional. Te presentamos a las 7 seleccionadas:

También en Más de México: 7 cosas (muy buenas) que pasan cuando consumes cine nacional

Redes (Zinnemann y Gómez Muriel, 1936)



Entre el documental y la ficción, esta película basada en hechos reales describe la dura vida de los habitantes de la región pesquera de Veracruz en la época en la que fue producida: las terribles injusticias, la pobreza, el trabajo tremendo al que estaban sometidos algunos y la dura vida que llevaban. Vigente en todas las épocas, pues sin duda aún relata involuntariamente la realidad de esas y muchas otras comunidades, pero en el presente. La música original es de Silvestre Revueltas.

El Ángel Exterminador (Luis Buñuel, 1962)

En el clásico surreal de Luis Buñuel, un grupo de burgueses de la Ciudad de México asiste a una elegante cena, después de la ópera. Cuando termina el evento social, se dan cuenta de que no pueden abandonar la habitación donde estaban cenando. El episodio lentamente los transforma en algo muy alejado a lo que pretenden ser cotidianamente.

Simón del desierto (Luis Buñuel, 1965)

Doble aparición para el fantástico Luis Buñuel que sin duda puso en alto el cine de uno de los países más “surrealistas” del mundo (por su composición cultural, no solo por su curiosa cinematografía). La historia narrada en esta película pierde sentido escrita en pocas palabras, así que vas a tener que verla. Pero podemos asegurarte que no forma parte de esta colección por nada.

Canoa (Felipe Cazals, 1975)

El drama de Felipe Cazals es muy relevante en la historia de nuestro cine, primero, porque contrasta con las dramáticas y románticas ficciones típicas de la época (y también de las décadas anteriores) y presenta una narración basada en una historia real ocurrida en el pueblo de San Miguel Canoa, Puebla, cuando injustamente y por una extraña confusión fueron linchados unos jóvenes empleados de la Universidad Autónoma del estado. Esta película fue parte de una trilogía dedicada a contar historias similares. Además de su calidad cinematográfica, hay que verla por sus intenciones políticas.

Sólo con tu pareja (Alfonso Cuarón, 1991)

Aunque no lo creas, la ópera prima del fantástico Alfonso Cuarón fue una comedia romántica, más parecida a las de Almodóvar que a las actuales comedias mexicanas. En su tiempo también fue peculiar, pues ese cine aún no se ponía de moda. Ahora continúa siendo una auténtica rareza y vas a disfrutarla mucho, teniendo en cuenta la obra contemporánea de Cuarón

Cronos (Guillermo del Toro, 1993)



La ópera prima de Guillermo del Toro es una extraña versión de los mitos del “vampiro” como figura fantástica, aunque no lo sea de forma explícita. Es una película de terror hecha y derecha y te encantará ver los orígenes del hombre responsable de obras muy queridas como “El laberinto del fauno” y “La forma del agua”.  

Y tu mamá también (Alfonso Cuarón, 2001)

Por si te hacía falta: doble Cuarón. La película protagonizada por los bien queridos Gael García y Diego Luna ganó mejor guión en el Festival Internacional de Cine de Venecia. A su manera, aún con tintes de comedia de enredos, nos plantea el panorama político y social del México contemporáneo, pero de forma muy sutil y combinándola con una reflexión sobre la sexualidad y los tabúes, ligados a la clase.

También en Más de México: Un catálogo de películas mexicanas en línea gratis (cortesía del Imcine)