Estas hermosas máscaras michoacanas conjuran el lado oscuro de quien las porta (VIDEO)

Un fino corto documental retrata lo poético, místico y divino de nuestra tradición artesanal.

Si uno pretende infiltrarse hacia lo más profundo de cualquier tradición mexicana buscando comprenderla, debe estar preparado para encontrarse con el más complejo y rico de los tejidos simbólicos.

Y es que no hay —simplemente sería inimaginable— una expresión cultural que se diga mexicana y no esté definida por su polisemia. No podría ser de otra forma, pues México se ha construido en un “estira y afloja” entre múltiples culturas que luchan por territorializar la vida cotidiana y la fe de los sujetos que las encarnamos.

Así, para los españoles la vía más efectiva de conquista fue la apropiación de las tradiciones; y, para las culturas nativas, el acto más espectacular de resistencia es corromper las creencias extranjeras con sus particulares formas de simbolizar el mundo. Y esta deliciosa cualidad —nuestra inevitable interculturalidad—  queda impresa y se hace evidente en las artesanías; piezas que, aunque a veces lo olvidamos, cumplen una función ritual o, por lo menos, en esa clase de acto sagrado encuentran su origen.

Un ejemplo excepcional son las hermosas máscaras michoacanas que se portan durante la “danza con el diablo”. Ejecutada como parte de la pastorela, este baile explosivo conjura el lado oscuro de quien interpreta al personaje. Las máscaras son fabricadas a mano por dedicados hombres y mujeres como Felipe Horta.

La labor de Felipe fue preciosamente retratada en este corto documental del director mexicano Mariano Rentería, como parte de una serie de audiovisuales que celebran a los artesanos del estado de Michoacán y nos invitan a revalorar este tipo de trabajo y entenderlo como parte de una manifestación profunda.

Felipe mantiene su taller en el pueblo de Tócuaro y desde hace décadas se dedica a fabricar las coloridas y aterradoras piezas. Su trabajo es una forma de honrar una herencia cultural y una idea de identidad; pero, además, implica un acto absolutamente místico.

En sus propias palabras, la pieza representa la lucha entre el bien y el mal, por eso los colores utilizados son agresivos. Al usar la máscara, dice Felipe, uno se transforma en el personaje, pues hay una “energía” en ella que invoca a este sujeto que el artesano no conoce —el diablo—, pero que puede traer a la vida con las manos. Así, la artesanía materializa lo poético, místico y divino de la danza.

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Señorita Libertad: la peculiar tradición patria de una comunidad veracruzana

En esta comunidad de Veracruz la libertad de México se celebra como en ningún otro sitio. Un fotógrafo local retrató íntimamente los preparativos para esta fiesta.

Nuestro complejo país es espectacular, precisamente porque no se agota en una sola cara. México es distinto desde donde lo mires. Por otro lado hay algunas cosas —platillos, ingredientes, tradiciones, símbolos— que se repiten por todos lados y se vuelven una suerte de “hilo conductor” que nos reune a pesar de nuestra inmensa diversidad.

Las fiestas patrias —el grito, el desfile del 16 de septiembre, la comida, las banderas que decoran las calles— son sin duda uno de esos hilos que tejen cada año un espacio para la identidad compartida. Tal vez por eso hemos olvidado indagar en lo profundo y se nos han pasado de largo las formas particulares en las que cada región celebra la idea de independencia y la existencia de un México que —en potencia— se auto-define. 

Pero hay un sitio donde la fiesta patria muestra una cara muy peculiar. Se trata de Santiago Tuxtla, en Veracruz. En esta comunidad la libertad de México se celebra como en ningún otro sitio, en torno a una alegoría muy interesante: la Señorita Libertad.

Señorita Libertad

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También llamada “Diosa Libertad”, esta personaje es encarnada por una joven del pueblo. Cada año se la elige con aval del presidente municipal y junto a ella se organiza la máxima fiesta patria de Santiago Tuxtla. La chica, ricamente ataviada, representa a la “mujer mexicana” (ligada evidentemente con el rostro femenino de nuestra tierra, su abundancia, su fertilidad, su bondad). Llena de joyas y con un atuendo blanco, rojo y dorado, será paseada por el pueblo en una carreta adornada con flores. 

“… con la mano derecha toma un óleo de Miguel Hidalgo, mientras que con la izquierda hace lo propio con la bandera de México. Los toros que jalan la carreta son pintados con aerosol de color dorado. 

Al final del recorrido del desfile por todas las calles de la ciudad, en la casa de la señorita libertad se ofrece una fiesta, abierta a todo el pueblo, donde se consumen más de 300 kilos de carne y demás.” Así lo relata Felipe Oliveros, fotógrafo y escritor local.

Es un verdadero festín que se ha celebrado desde hace 128 años. Los tuxtlas se toman en serio la noción de Independencia y, al mismo tiempo, no temen jugar con la idea de sincretismo. Aún anclados profundamente a su cosmogonía prehispánica gozan tremendamente esta tradición fundada por elementos bastante lejanos.

Cuenta Oliveros que la fiesta nació cuando el alcalde Francisco Ortiz Castellanos viajó a Francia y se enamoró de la conmemoración de la toma de la Bastilla. Fuegos artificiales, carros alegóricos y una mujer que encarna una figura que recuerda inmediatamente a “La Libertad guiando al pueblo del pintor” Eugène Delacroix.

Y el pueblo sigue a La Libertad

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Para las chicas que representan el papel, el asunto es una ceremonia y un honor particular. Cada año, explica Felipe, se trata de una joven distinta que tiene alrededor de 15 años. El mismo presidente municipal va a su casa a pedir permiso para que participe. La preparación de la Señorita es un ritual en sí mismo y el fotógrafo veracruzano ha logrado retratarlo con una intimidad absolutamente conmovedora.

Y no es para menos: el papel es muy importante. Como relató el cronista local Eneas Rivas Castellanos: 

Nos referimos a la Diosa Libertad emblema y símbolo de la Libertad Mexicana con que contamos todos los habitantes de esta nación. […] La alegoría ha sido hasta hoy en la misma forma: La Diosa Libertad representa a su vez a la típica mujer mexicana la cual va vestida con una túnica blanca ceñida en la cintura y adornada por muchas prendas de oro y pedrería. En su cabeza el gorro frigio, emblema de la libertad, ceñido por detrás con dos ramos de ciprés y un listón tricolor, prende de la espalda un manto bordado con estrellas. El manto representa el territorio nacional y las estrellas equivalen al número de estados en que está dividida políticamente la Nación. […]. Cubren el resto del carro, hojas de tepejilote. 

“La libertad con que contamos todos los habitantes de esta nación”; es una frase que resuena y que sin duda habría que poner en cuestión. La libertad, tal vez una fuerza que solo se articula como potencia, pero por la que todos debemos estar luchando, no solo para nosotros mismos; también para los demás. 

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La libertad; tal vez el signo más noble de entre todos los que pueblan el repertorio de las fiestas patrias, pero que, al parecer solo en Santiago Tuxtla se manifiesta con tanta fuerza y cariño.

*Imágenes e investigación: Felipe Oliveros.

M.A. es un colectivo de artesanos que está reinventando la tradición

Un proyecto colaborativo que encontró el balance justo entre arte, diseño y tradición artesanal.

A ratos se vuelven obsesivas las categorías que le imponemos a los objetos. 

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Arte, diseño y artesanía son solo algunas de esas etiquetas. Para algunos de nosotros no son tan importantes y hay quienes estamos seguros de que un mismo objeto puede encarnar las tres a la vez. Otros pensarían que esa idea es absurda. 

Por otro lado, la división se ha jerarquizado. Esos objetos que llamamos arte parecen tener un valor supremo, y lo mismo se puede decir muchas veces del diseño. En estas disciplinas lo que importa es el nombre del autor: la firma. Pero la artesanía parece venir de un lugar menos sensible, más rudimentario y repetitivo. 

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Nada más lejos de la práctica: no somos los primeros en afirmar que el artesano vierte fragmentos de sí mismo en cada una de sus piezas. Aunque, como muchas otras cosas, la tradición artesanal se ha folclorizado y algunos de los objetos que pertenecen a ella se tratan como simples souvenirs turísticos. 

Urge reivindicar a nuestros artesanos

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Así, urge reivindicar a nuestros artesanos. Y tal vez para lograrlo tenemos que reinventar la tradición, permitir que toda clase de creadores exploren sus milenarias técnicas hasta encontrar formas sorprendentes con las que se identifiquen plenamente y hablen —a través de sus piezas— simultáneamente con la voz de la identidad personal y la colectiva.

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Y esto es exactamente lo que ha logrado M.A., un colectivo que combina la producción artística con los métodos atribuidos a la tradición artesanal. El proyecto está basado en la CDMX, pero la producción se hace de forma colaborativa en distintas comunidades mexicanas y procura imprimir en ella técnicas locales, la experiencia del grupo cultural y también las creencias y líneas cosmogónicas que definen su producción.

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El proyecto fue iniciado por Melissa Ávila, originaria de Tijuana. Ella misma es una artista interdisciplinaria que busca preservar la inmensa tradición artesanal de nuestro país, reforzando los vínculos comerciales con estos creadores y también capacitándolos, mientras aprende de ellos.

Las piezas son coloridas, particulares, inmensamente creativas y, al mismo tiempo, mantienen ese sabor familiar del diseño mexicano más arraigado. A su manera, manifiestan el balance justo entre arte, diseño y tradición artesanal. 

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Es una forma muy especial y equilibrada de incluir en este circuito comercial a sujetos creativos provenientes, sobre todo, de los pueblos indígenas de México, sin minimizar sus piezas y su trabajo. Además, porque lo que hacen es arte —al fin y al cabo— sus historias personales, el núcleo de su identidad y cada uno de los pedacitos de sí mismo a los que renuncia durante su hacer, recuperan su valor. 

Conoce más sobre M.A. y accede a su tienda en línea aquí.

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Magia y alquimia: el épico trabajo de los artesanos de Santa Clara del Cobre (VIDEO)

Las piezas de cobre martillado son un despliegue hermoso de fuerza, precisión y sincronía. Este exquisito corto documental te enseña cómo se hacen.

Entre los purépechas —en Michoacán— continúa activa una de las tradiciones artesanales más complejas e hipnotizantes. Las piezas de cobre martillado son un despliegue hermoso de fuerza, precisión y sincronía. 

Típicas de Santa Clara del Cobre, aún representan la principal actividad de la zona. Comúnmente surgen del reciclaje de la pedacería de cobre, que es cuidadosamente recopilada por los herreros, a continuación fundida y finalmente modelada en un orgiástico espectáculo de brazos y martillos.  

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La labor es primordialmente un esfuerzo comunitario: es vital que el cobre sea martillado simultáneamente por diversos hombres, que, en conjunto lo extienden hasta llegar a la forma deseada. Es un trabajo intenso y físico. El fuego es un componente central en este proceso alquímico. Los martillazos son intensos pero lo que invocan en su densa sinfonía es una forma.  

El creador audiovisual Mariano Rentería, responsable de una preciosa serie de cortos documentales sobre los artesanos de Michoacán, nos muestra cada parte del impresionante proceso y lo que significa para las familias de herreros purépechas en esta pieza imperdible.

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