Remedios Varo y su onírica interpretación de la realidad

Remedios Varo, elegante y hermosa, perdía la vida ante cada espasmo del movimiento interrumpido que desataba la fuerza de sus pinturas.

María de los Remedios Alicia Rodrigo Varo y Uranga, mejor conocida como Remedios Varo, fue la transformación de la realidad onírica en México. Desde su nacimiento en 1908, en Anglés, España, hasta su muerte en 1963, en la ciudad de México, esta artista surrealista se encargó de sublimar el simbolismo de la sabiduría, elegancia y empoderamiento a través de su propio dolor.

Su recorrido artístico comenzó en los pasillos de la Academia de San Fernando en Madrid; y continuó en las bohemias ciudades de París y Barcelona, en donde se empapó del movimiento surrealista de André Breton, Óscar Domínguez, Esteban Francés y Marcel Jean. Este recorrido le ayudó a considerar al arte como una fiel representación los estados mentales internos del alma, usando formas sugerentes de sus propios estados emocionales de angustia y abrumo.

Tras la guerra civil española y una breve estancia en la Francia previa a la invasión nazi, Remedios Varos abandonó el caos que comenzaba a predominar en Europa y, junto con su segundo esposo, Benjamin Péret, llegó a México. Fue ahí donde, gracias a la política del presidente Lázaro Cárdenas, la artista gozó de un cobijo emocional y laboral. Inclusive podría decirse que fue la primera vez que Remedios Varo logró encontrar una paz anémica en las calles de la ciudad de México.

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Desde entonces, sus obras se vieron marcadas por el desvanecimiento de los miedos y angustias que la atormentaban a mitad de la noche. Comenzó a usar un lenguaje con una temática típica y universal, brindando no sólo un sentido de unicidad en una desestructurada mente, también una lucidez extraordinaria de conciencia. Hay inclusive quien dice que el predominante claroscuro en los cuadros de Remedios Varo trata de una especie de luz que cobija y tranquiliza, la cual resignifica la guerra, el mal de amores y la destrucción.

Observar atentamente las obras de Remedios Varo es darle un poco de estructura al caos mental de quien sufre la abrumadora compañía de Thanatos. En ellos se cuenta la historia completa de un afecto auténtico que busca sanar la enfermedad de lo racional, develando el significado reprimido de la existencia como parte del bienestar del ser humano. 

Ella fue una maga, hechicera, chamana que encandiló a México. Se encargó de apaciguar los malestares corporales de una sociedad enferma, transmitiendo información a través de la materia. No obstante, cada vez que manifestaba la angustia de estar sin estar, estrangulaba su corazón intentando reprimir el surgimiento de un afecto nebuloso. Ella, elegante y hermosa, perdía la vida ante cada espasmo del movimiento interrumpido que desataba la fuerza de sus pinturas…

Hasta que en 1963 el corazón de Remedios Varo sufrió el último espasmo con un particular acento. Al morir de un infarto de miocardio, ella se liberó de aquello que la asfixiaba y la provocaba saltar las fronteras de la lucidez de un México que amó y la amó de regreso. Dentro de esta paz peculiar que encontró en su país adoptivo, transmutó el símbolo y sentido de la lógica a una adimensionalidad del tiempo y espacio a través de sus obras.

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Obras incluidas: 1) Papilla estelar (1958); 2) La creación de las aves (1957); Tauro (1962). 

Kati Horna, la poco conocida surrealista que capturó México en oníricas fotografías

La fotografía que Honra realizó en México, nos invita a observar los claros oscuros de la sociedad mexicana, en los años 30.

Mi casa es tu casa. Esa es una de las frases más naturales de los mexicanos. Pero, cuando se trata de viajeros que portan una curiosidad notable por México, el significado de este enunciado va más allá. La invitación a nuestro hogar se vuelve una metáfora, y los muros que nos circundan se rompen para dar una afectuosa bienvenida al que no conoce este país. Esto le sucedió a Kati Horna, quien perseguida por sus creencias y las de su esposo, tuvo que salir de Europa y refugiarse en nuestra tierra. 

Kati Horna llegó a México en 1939, acompañado de su esposo José. Como muchos europeos que huyeron de su tierra, los Horna salieron exiliados de Barcelona y París, por compartir afines ideológicos con los Republicanos. México se volvió su segunda patria y, durante lo que sería su nueva vida en esta tierra, Kati se realizó principalmente en la fotografía. 

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Sus trabajos fotográficos involucraban la vida cotidiana y la captura de objetos abandonados. El retratar piezas carcomidas por el tiempo, era una necesidad de atrapar su fugacidad. El efecto de imagen desgastada que lograba, producía a su vez, una sensación onírica en su trabajo. . .había conseguido detener lo efímero. Por otro lado, le encantaba capturar objetos inanimados tras su lente, un comportamiento “típicamente surrealista” entre los practicantes de la vanguardia de los sueños.

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Porque fotografiar artefactos cotidianos era una manera de desatarlos de la razón y la realidad en la que se encontraban sometidos. Aunque, en el caso de Kati Horna este estilo se volvió muy natural. La razón reside, quizá, en que en México el surrealismo se respira en nuestras calles. Los objetos cotidianos no sólo son recipientes, son un algo en constante relación con el imaginario colectivo.

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Sans titre (carnaval de Huejotzingo), por Kati Horna en 1941

Pronto, el trabajo y creatividad singular de Kati Horna comenzó a circular en diferentes revistas mexicanas, como Nosotros (1944-1946), Mujeres (1958-1968), México This Month (1958 y 1965), entre otras. La mezcla de influencias en sus fotografías –pues el surrealismo no era su única herramienta, también lo era así el expresionismo–, comenzó a dar frutos en el contexto mexicano y su diversidad cultural, inmortalizando escenarios épicos de la indómita tierra mexicana. Ejemplo de ello son aquellas imágenes donde el uso de sombras juega un papel fundamental. 

El contraste en la luz y oscuridad resultó idóneo cuando le llegó la oportunidad de retratar La Castañeda, famoso manicomio mexicano por sus contra oscuros en la historia de la medicina en nuestro país.

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La Castañeda, hospital psiquiátrico, por Kati Horna en 1944

La locura y la oscuridad en sus fotos evidenció la fascinación de Horna hacia los temas tenebrosos. Un caso de esto puede verse en la fascinación que tenía por los vampiros y la creatividad que poseía para situarlos en nuestras calles a partir de una serie fotográfica llamada: Historias de un vampiro. Sucedió en Coyoacán. (1962) Aquí, la fotógrafa plasma su ingenio y humor en una serie de capturas en el estudio de una amiga suya. La mezcla del blanco y negro en esta imagen transmite una esencia bella sobre las almas oscuras, y a la vez nostálgico:

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“Historia de un Vampiro. Sucedió en Coyoacán”, Ciudad de México, por Kati Horna, 1962.

La visión que nos compartió Kati Horna a través del lente de su cámara es invaluable. Le dio vida a objetos olvidados, le otorgó rostros a la locura y al mito. Pero, sobre todo, se volvió una mexicana que aceptó todas las (ir)realidades de nuestros país. Cuando Kati Horna llegó a México, no hubo necesidad que le dijeran mi casa es tu casa. Ella, desde un principio, lo supo.

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Domingo en Parque de Chapultepec por Katty Horna, 1959.
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Una noche en el hospital de muñecas por Kati Horna, 1962.

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Oda a la necrofilia por Kati Horna, 1962.
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Calle Moneda por Kati Horna

La Rotonda del Mar: monstruos de cobre en el inadvertido paisaje

Figuras surrealistas y mágicas dan un nuevo sentido al turismo en Puerto Vallarta y nos invitan a ejercer el acto de contemplar.

Maravilladas por el movimiento de las olas, las esculturas con cabeza de pulpo o caballo de mar apenas y pueden permanecer así, impávidas y sin que el viento las devore. Ocho piezas componen una colección de esculturas surrealistas en Puerto Vallarta, realizadas en 1996 por Alejandro Colunga. Cada una de ellas conforma la Rotonda del Mar, y están colocadas en de manera que observan el mar, postradas ahí, como si esperaran algo o a alguien.

El malecón de Puerto Vallarta es una de las zonas más turísticas de la región. Aquí no sólo se admira el mar y la luz solar, también se observan estos seres que salvaguardan el camino y al viajero que va de paso.

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La esencia antropomórfica que aún conservan de su realizador puede constatarse en su apariencia fantástica y soñadora. La contorsión de sus bocas es un largo grito al viento y, la pequeñez de sus manos, su incapacidad de zambullirse y desaparecer del malecón. Sin darnos cuenta, estamos parados frente a un montón de seres oníricos que nos invitan a cambiar el significado de nuestro viaje, por uno más contemplativo. 

Algunas de las nostálgicas criaturas, si se les puede llamar así, poseen un esqueleto que emula el respaldo y patas de una silla. Un deleite para los turistas transeúntes que gustan de parar justo ahí, a mirar el paisaje. La similitud de dichas esculturas con un mueble no es fortuita. El autor lo hizo con la intención de que los viajeros les hicieran compañía en un largo viaje hacia la eternidad. 

Vivir no es fácil y menos si es para siempre. Por eso, cada figura tiene los pies en la tierra y, conscientes de su destino, deciden jamás irse. Y, aunque pudieran, sería en vano. Cuando el tiempo es interminable, el escapar se vuelve una ruta circular, en la que cada pieza encuentra su sitio y sólo queda como consolación, ver el mar, el espejo de nosotros mismos. 

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rotonda del mar puerto vallarta

/ ¿Cómo llegar?

 

*Imágenes: 1) On The Road In Mexico2, 3) Ernest McGray Jnr. – flickr / Creative Commons; 4) Wikimedia Commons; 5) J. David Villalpando – flickr / Creative Commons

La artista que comenzó a pintar “sin querer” e inauguró un estilo en México (Entrevista)

La historia de Carmen Esquivel, una mujer que empezó a pintar a los 32 años y nunca más pudo parar; su estilo pertenece a la corriente naíf, entre la fantasía y la inocencia.

De niña no pintaba, nada, siempre reprobaba en pintura. Los dibujos con los que les ayudaba a mis hijos quedaban mal… Y empecé a pintar a los 32 años, me dio la loquera.

Carmen Esquivel

Hay personas que se topan con las artes de una manera accidental, y encuentran ahí un refugio tan propio, que no pueden soltar su nuevo universo, uno que se ha convertido en parte imprescindible de su manera de estar en el mundo. Lo anterior desde una labor cuyo sentido más profundo, es que, sobre todo, lo hacen para sí mismos…

La historia de la pintora Carmen Esquivel embona enormemente en un comienzo y en una vida inmersa en  lo anterior. Fue, sin darse cuenta, parte de la “Generación de la Ruptura en México”; descubierta por el maestro Raúl Gamboa Cantón (alumno de Diego Rivera), y arropada por grandes de la plástica mexicana como Rufino Tamayo y José Luis Cuevas.

A su estilo, inédito en México hasta ella (al menos oficialmente), se le conoce como arte naïf, que significa un arte ingenuo, inocente, aunque también cumple con una serie de requerimientos como el estar altamente vinculado con la fantasía y el detallado minucioso (casi obsesivo) en los aspectos de los objetos.

En esta entrevista Carmen Esquivel nos habla de su historia. Su pintura es un legado que confluye entre la influencia mexicana y lo más hondo de sus fantasías y mundo interno:

carmen esquivel arte naif mexico

Sobre tu historia en la pintura:

Yo no estudié. Yo no sabía que un artista naíf (o es naif auténtico, o no lo es). Yo no sabía ni lo que estaba haciendo, entonces, empecé a pintar con un grupo de amigas porque queríamos ayudar a un maestro, un excelente paisajista y muy buen pintor, que siempre andaba ofreciendo sus clases. Entonces nos juntamos con él y ahí empecé a pintar. Pero yo lo que veía es que yo no podía hacer nada, lo que hacía eran cosas como de niños de 4 años. Y dije, bueno ¿qué es esto?, vi lo que estaban haciendo todos, y dije ¿Qué estoy haciendo aquí?. Entonces fui con el maestro Raúl Gamboa Cantón y  me dijo, ¿sabe qué? usted ya no va a venir a aprender aquí, por que usted tiene una corriente muy especial: usted está dentro de una corriente, una tendencia, yo no sabía nada de eso, y me dijo: naíf. Me dio taanto coraje, le dije, sabe qué, el naíf será usted. ¿Por qué?, ¿Qué me está diciendo?.

Después de eso entendí un poco más, y seguí pintando. Luego vino un director de Bellas Artes y le gustó mucho mi obra, y  yo solo tenía unos 6, 7 cuadritos. Entonces llegó Don Antonio Rodríguez, el crítico de arte, venía de París, y también vio mi obra, y desde entonces estuvo viendo todo lo que estuve haciendo. Luego el maestro Tamayo se interesó mucho por lo mío y me pidió que le pintara un cuadro; él  y la señora Olga (su esposa) me hicieron el favor de recomendarme en algunas galerías pero pues no a todas les gustaba el arte naíf, y sí me recibían, pero hasta ahí. Luego José Luis Cuevas me pidió que lo pintara y todos esos cuadros pertenecen al acervo del museo Cuevas.

¿Qué significa México para ti?

Para mi, hasta me dan ganas de llorar: México es todo. Adoro mi país, sé que hay muchos problemas pero es un país hermoso. Es un país maravilloso, tenemos una historia desde la época prehispánica hasta la Revolución, que creo que pocos países tienen y debemos de estar todos los mexicanos muy orgullosos de este país, y no estar criticando tanto; más bien  proponer, involucrarnos.

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¿Cómo describe su obra? ¿Se considera una artista naíf?

Es muy difícil responder eso. Cuando la gente me criticaba de por qué me quedé en Bellas Artes (por que el maestro Gamboa me apoyó mucho pero no me dejaba tomar clases de pintura ni nada), yo me sentía muy contenta con lo que estaba haciendo, y les decía: hay, me está quedando “rebonito”. Y siempre me decían, eres el primer pintor que le dice al maestro Gamboa que le está quedando bonito, y pues sí, a mi me gustaba mucho todo lo que estaba haciendo. Entonces que te puedo decir, me siento muy a gusto haciéndolo, y no te puedo decir que soy la maravilla ni nada pero sí me gusta mucho y el trabajo diario, te va dando ideas, ideas, ideas…

Qué recomienda a los artistas jóvenes mexicanos?

Que si les gusta el arte, que si es una necesidad de expresarse, lo  hagan. No todos pretendemos que vamos a ser grandes artistas, es una cosa muy particular de uno. Y es necesario para los niños,  para los jóvenes, y desde cualquier rama del arte, no solo la pintura, necesitan expresarse.

No es solamente pensar que en esta carrera me va a ir muy bien porque voy a ganar mucho dinero, qué bueno que lo hagan y que lo tengan, pero no, tiene que tener algo más que los llene, que sea espiritual. Te digo que a mi  la pintura no sabes todo lo que me dio. Entonces sí es muy importante que sea algo que sea muy de ellos, que se estén expresando.

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Recomendaciones para los que buscan que su trabajo sea más auténtico:

Creo que la autenticidad tiene que empezar por ti, que estés relatando realmente lo que tú eres, por que si estás en otras cosas que no son, si quieres imitar, se pierde lo auténtico. Que sean ellos, por que todo mudo critica, pero ojalá que estén haciendo algo que les este nutriendo más que a todo a su espíritu.

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*Imágenes: Carmen Esquivel
Ana Paula de la Torre Diaz
Autor: Ana Paula de la Torre Diaz
Editora en jefe de +DeMx. Politóloga de carrera, colabora para diversas publicaciones digitales como Pijama Surf. Creadora del proyecto ciudadano yanostoca.com. Y pintora ocasional ( http://bit.ly/2jkE8lD )