Escucha la radio que suena dentro de la cabeza de Julieta Venegas (Playlist)

¿Te imaginas a qué suena una vida? Julieta lo explora en este playlist.

La cantante —también compositora, acordeonista y activista— Julieta Venegas tuvo una genial idea: ¿a qué suena la radio de una cabeza? Porque todos tenemos siempre una especie de playlist en nuestra mente.

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Quizás precisamente una radio, con la nostálgica perilla que hace moverse a la aguja de la frecuencia, va cambiando según nuestro ánimo. De pronto puede sonar una cumbia, o una voz grave y fugaz de noticias que se confunde con las trompetas del jazz que se transmite en la estación más próxima.

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Esa es la propuesta de Julieta con esta creativa playlist: escuchar música recomendada que es, en la experiencia de quien la comparte, un pedacito de su vida. Es esa música trascendente y anacrónica, porque no corresponde sólo a un momento, sino a muchos que ahí terminan por reunirse en forma de ondas sonoras. Amores pasados y presentes; caminos andados, desandados y por andar; y chispazos de futuros posibles.

En la fina curaduría que hace esta original cantante pueden encontrarse sonidos que remiten a su propio estilo musical. Clásicos brasileros como Tom Zé, cantantes contemporáneos como el Residente de Calle 13, ritmos cumbiancheros y electrificantes de Bomba Estéreo e incluso hallazgos afortunados como el de la banda Bestia Bebé.

Sin duda esta playlist suena al corazón de Julieta y tiene varios tesoros que conocer. ¿Qué radio tienes tú en la cabeza?

4 razones para no perderte el nuevo documental sobre la vida de Chavela Vargas

Tienes que ver este precioso retrato de la mujer que reinventó los sentimientos mexicanos…

De Chavela Vargas, mexicana por elección (pues, en realidad nació en Costa Rica) se ha dicho mucho. Su figura es controversial, especialmente, porque —a pesar del aura de misterio que la acompaña—  la cantante se permitió ser siempre franca y hasta sus acciones y declaraciones más desmedidas, extrañas y polémicas fueron hechas porque se le pegaba la gana, no para complacer ni al público, ni a los medios.

Tal vez por eso vale tanto la pena explorarla, como figura mítica mexicana y también como sujeto con vivencias que a todos pueden ofrecer una pista sobre su propia a existencia. Así, celebramos el estreno de Chavela (2017) un documental que narra la vida de esta extraordinaria artista a través de fragmentos de una entrevista de hace 25 años, acompañada por los comentarios de otras grandes figuras (como Pedro Almodóvar, Eugenia León y Miguel Bosé) que aún hoy la aman y admiran.

Te compartimos 4 razones para no perderte esta nueva visión de uno de los personajes más fantásticos que ha puesto pie en esta tierra.

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Chavela Vargas para cultivar tu sensibilidad

El despecho, en México, es un auténtico arte. No significa simplemente manifestar el dolor que deviene de un corazón roto; es, en realidad, desgarrarse, casi a propósito, por el amor. Y aquí “el amor” es el hecho de amar, en un sentido universal, no particular.

En otras palabras, el despecho en México una práctica de sensibilidad, que puede ejecutar y disfrutar hasta quien no está “despechado”. Si alguien entendió esta peculiaridad nacional, narrándola, experimentándola y sobre todo musicalizándola, esa fue Chavela Vargas.

Entonces, si no has tenido el placer de escucharla y conocerla, este documental es una buena excusa para adentrarte a los placeres que ofrece.

Chavela y su historia para inspirarte a vivir

Su historia de vida es extremadamente compleja; pero la cantante nunca se dejó vencer. Así, pasó por toda clase de problemas: el rechazo de sus padres, de quienes huyó para venir a México; ser mujer en un mundo diseñado por la masculindad, adoptando precisamente una actitud neutra que la dejó bien parada en todos los géneros posibles; su amor por las mujeres, que como cualquier amor, le dolió en el alma y que la ha transformado en un ícono LGBT; su alcoholismo, que la aventó al abismo más profundo, pero que terminó dejando atrás.

Son muchos los que se pueden identificar con sus historias, los que se quedan tranquilos pensando que, por lo menos, Chavela entiende lo que están sintiendo.

Chavela como figura crucial en la historia del México moderno

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Isabel Vargas Lizano, la querida Chavela, se hizo buena amiga (y amante) de múltiples celebridades, artistas, políticos e intelectuales mexicanos. El testimonio de algunos de ellos sobre la mujer, su vida y el mundo que la rodeaba figura en el documental; pero además es imposible no tocar el contexto del México que habitó Chavela, desde los años 50 hasta que murió en 2012. Si quieres aprender más de esa tierra, este filme se volverá crucial.

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Para tirar tus prejuicios a la basura

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Como pasó con Juan Gabriel (otro grande), la especulación sobre la sexualidad de Chavela Vargas fue por años comidilla de los mexicanos. Afortunadamente a los 81 años de edad, la gran señora confirmó las sospechas de todos y se declaró lesbiana. No solo eso, aprovechó también para informar sobre algunas grandes conquistas, entre ellas la actriz Ava Gardner y la pintora Frida Kahlo.

Y así como con el cantante que bien dijo que “lo que se ve no se pregunta” el público pudo haber dudado brevemente de su admiración por Chavela, pero su voz ha sido siempre más poderosa que el prejuicio. Y su historia de vida contribuye a este ejercicio, por ello el documental ha sido galardonado y nominado a premios en festivales de la comunidad LGBT.

La amante de mujeres cantó las piezas de José Alfredo Jiménez para celebrar su feminidad y la de sus queridas compañeras, pero en sus propios términos y jugó con la noción de género de maneras insospechadas. Narra Miguel Bosé para el documental que Chavela le dijo un día: “Si yo hubiera sido un hombre, tú habrías sido mi mujer perfecta”. Con visiones así de amplias, los prejuicios tienen poco sentido.

Encuentra una función en tu cine más cercano aquí.

Anatomía de la poesía campesina, el huapango arribeño

Los campesinos de la Sierra Gorda Queretena tocan el huapango arribeño, un bello género musical que cautiva a quien lo escucha.

Los campesinos de la Sierra Gorda Queretena siembran sus rimas en el canto. Para ellos, el huapango  arribeño es una poesía musical y las fiestas, una oportunidad para verlas echar raíces. Muchos de los músicos de este género, aprendieron el arte desde niños.

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Algunos se adentraron al canto por la intuición; otros, de la mano de un familiar que tenía conocimiento básico de las notas musicales. Inclusive, hay quienes recuerdan con brillo en los ojos el momento en que fueron introducidos al huapango arribeño a través de las palabras:

“Mi jefe. mi apá, sabía muy a penitas las vocales… entonces andábamos en la milpa y  así donde había tierrita suelta allí le decía: ¿cómo son éstas? me enseñó que así y así…”

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La manera en la que aprenden es muy significativa. Es una prueba de que el conocimiento no siempre se transmite en las escuelas. Para estos músicos, el talento se lleva en la sangre. La pasión por el instrumento o el recitar los versos que la acompañaban se descubrió en ellos como una joya genuina a lo largo del tiempo. Ellos hilan la música con el pleno dominio de cada nota –aunque suelen asignarles apodos, como la floja  o la baja.

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En relación a las letras con las que acompañan su poesía, la manera de proceder de cada músico también es diferente. Algunos de ellos se basan en la poesía oral. Entonces, su principal herramienta es el recuerdo, la memoria con la que han escuchado a otros decir sus canciones. Los que han aprendido a escribir sellan sus versos en un cuaderno. Pero, independientemente del método, el huapango arribeño termina por pintarse de manera indeleble en la memoria de quienes lo escuchan. 

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El ritmo

La letra no es el único pilar del huapango arribeño, la rima y su cadencia es otro factor vital. De acuerdo a sus ejecutores, la poesía del huapango es rítmica, sin esto, no es música.  De aquí viene la importancia de conocer la métrica de los versos, que pueden ser octasílabos, décimas, entre otros. Sin un conocimiento de estos conceptos claves, el huapango arribeño se vuelve un lenguaje indescifrable para quien pretende tocarlo y, sobre todo, cantarlo para cada hora el día.

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El tiempo huapangero

Sí, así es, el huapango arribeño no sólo es un género. Para muchos, éste  podría considerarse como una manera de contar el tiempo. Antes, cuando se solía tocar todo el día, los músicos se ponían de acuerdo en qué tono tocar, dependiendo la hora:

“a veces cuando empezábamos de día, tocábamos en el tono de sol mayor, y cuando se hacía de noche, digamos a las nueve, diez de la noche, tocábamos  en el tono de re mayor hasta la una. De la una para adelante agarrábamos el tono de A mayor”

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El asociar el huapango con el paso de las horas resulta un indicador de la fuerte conexión del músico con la naturaleza y las notas que ejecuta. De esta manera, se nos demuestra que el huapango arribeño es más que un género musical. El destino de sus ejecutores también es distinto. Cada músico ve en el huapango arribeño como una manera de conocer el mundo, ampliar sus conocimientos y relacionarse con la naturaleza. 

 

José Alfredo Jiménez: la voz y el abismo

José Alfredo es un poeta imposible que aprendió a engañar a la muerte mientras se acuesta con ella.

 José Alfredo Jiménez: trovador, sacerdote mexicano del tequila y de las canciones. Su voz es la entrada al abismo, es un temblor a punto de nacer, es el despertar a una tragedia inminente. Su poesía es árida y salvaje, oscura como un diálogo mortal, lacerante como una maldición. Cantar sus canciones es ser consumidos por la fascinación de un incendio repentino, es flotar eternamente entre la niebla de un páramo sin nombre.

José Alfredo Jiménez es el aullido que enciende la noche, es el cometa ebrio que vaga por un universo sombrío hasta chocar de frente contra el destino, es el lobo herido que tiene su amorío fugaz con la luz de luna, es el evangelista de la tragedia, un poeta imposible que aprendió a engañar a la muerte mientras se acuesta con ella. El día es su enemigo, sus ojos se acostumbraron a leer la penumbra; eligió la noche para desbordarse, para maldecir al azar, para levantarse como una torre de misterios que parece indestructible y que se derrumba invariablemente cuando el día despierta.

Como buen profeta de la tragedia, rasga con su voz el velo de todos los templos posibles. Su espíritu entendió mejor que nadie que cualquier sitio puede ser el lugar donde se ofrece un ritual por las penas de la vida diaria, que México es el gran Monte de la Calavera y se hace visible cuando alguien canta, de modo que en cada esquina hay una muerte y una crucifixión, una resurrección y un coro de lamentos. Su música es la voz más pura de nuestra gente. Nadie como él para entender que no le tememos a Dios ni al diablo, que no le tememos a la muerte ni a la vida, que a lo que le tememos verdaderamente es a la pérdida. El mexicano siempre está perdiendo algo: al amor, a la mujer, a sus tierras, a sus máscaras. Nuestra historia nacional y nuestros traumas surgen de la pérdida, y José Alfredo lo expresa en un huracán de suspiros; no puede hacer más.

Entre música y tragos, sus canciones son el hierro candente que marca la piel de quien las escucha. La cantina o la parranda son el teatro perfecto, el confesionario veraz y el sitio de la verdadera penitencia. En esta atmósfera de humos trasnochados, donde el alcohol y el desamor son a un tiempo salvación y perdición, José Alfredo levanta la voz: las emanaciones de su espíritu se convierten entonces en un canto colectivo que se eleva desde las entrañas de nuestro país. Es el hombre-espectro que le canta al héroe bocabajo, ese ser ajeno al ritmo del mundo, a nosotros que escuchamos el rumor de las edades y que sólo podemos avanzar hacia abajo, hacia lo hondo de la tierra, resignados, doloridos, ahogados en nuestro propio llanto. El héroe que José Alfredo describe está en el límite del tiempo, afuera, allá lejos, donde los elementos se agolpan y se confunden, donde la sangre da de beber a los jilgueros, donde la existencia es un llano en llamas o un diluvio inesperado.

Una intuición vibrante resuena en esta música de neblina y confesiones: el mar enardecido de la vida no ha sido lo suficientemente poderoso como para hundirnos. José Alfredo lo sabe, se vuelca en sus canciones, sufre, reclama, pero no se mueve; resiste. Esa resistencia nos recuerda decididamente a Arthur Schopenhauer cuando explica que la añoranza y el dolor de la poesía no describen a un sólo ser efímero y fugaz, sino que son el suspiro de toda una especie que se condensa, se oscurece y se arroja a la vida en un haz de luz tan mágico como doloroso.

Los poemas que este hombre lanza contra el mundo tienen un efecto existencial poderosísimo: nos enseñan a resistir en el vacío, a hacernos fuertes en la inclemencia de la nada. Las canciones de José Alfredo Jiménez son el aliento punzante de nuestra especie, una especie que aprendió a respirar en el ritmo incontenible de la música.

Samuel Rodríguez Medina
Autor: Samuel Rodríguez Medina
Samuel Rodríguez Medina es graduado del master en Filosofía contemporánea con acentuación en artes por la Universidad de Granada. De 2014 a la fecha es profesor de Estética y Arte contemporáneo en el Tecnológico de Monterrey, campus Monterrey. Es autor de blog "Neuma" www.rodriguezsamuel.wordpress.com que es seguido en mas de 10 países.