Mutek MX, un zoom a lo mexicano de este indeleble festival de música electrónica

A lo largo de más de una década, MUTEK MX ha colaborado activamente en el forjamiento de una cultura musical contemporánea en México.

Desde hace más de una década MUTEK irrumpió en México y, a partir de entonces, la escena de música electrónica en el país no volvería a ser la misma. Lo que comenzó como una pequeña delicadeza, para deleite de unos cuantos –incluida esa inolvidable sesión con Akufen en el Claustro de Sor Juana–, terminaría por consolidarse como el festival más propositivo de su rubro en estas latitudes.

Pero si bien se ha distinguido por conjurar a muchas de los más refinados exponentes a nivel mundial (desde Robin Guthrie, Spectrum y Robert Henke, hasta el propio Vladislav Delay, Biosphere, Four Tet y Matmos), MUTEK MX también se ha encargado, a lo largo de sus 13 ediciones anteriores, de propulsar propuestas nacionales y, sobretodo, de colaborar activamente en la maduración del imaginario en torno a la música electrónica en México.   

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Recordemos que hace 13 años el paisaje electrónico en el país era completamente distinto, y si hoy podemos hablar de algo parecido a una escena nacional, sin duda este festival es una pieza fundamental del proceso. En entrevista para +DeMX Damian Romero, Director de MUTEK MX, nos comenta al respecto: “Supongo que al igual que otras iniciativas culturales aventureras y exploradoras, ha contribuido al rompimiento de las fronteras físicas e imaginarias que por muchos años nos mantuvieron un tanto aislados del exterior, sobre todo en la era pre-internet. El México que vivo hoy a nivel cultural es muy distinto al que vivía hace 15 o 20 años, y nos gusta ser parte de esa evolución.”

Cuando hablamos de la promoción de propuestas nacionales no nos referimos únicamente a la participación de gente como el tijuanense Murcof, cuyo talento ya le había valido un lugar especial en la escena internacional; nos referimos, también, a artistas como Manrico Montero y Metrika, propuestas que se encargarían de trazar una sugerente generación de músicos mexicanos que hoy incluye a, por ejemplo, Niño Arbol

Uno de los objetivos más claros del festival con respecto al talento mexicano es el de ser un foro para los artistas emergentes; rara vez hemos repetido artistas en los últimos años, a menos que estos hayan presentado un proyecto distinto.

Aunque algunos no lo habrán percibido del todo, justificadamente deslumbrados por los virtuosos que llegan de otros países a presentarse en MUTEK MX, el ingrediente mexicano es esencial para que este festival se haya convertido en un evento indeleble. De hecho, cuando preguntamos a Damian ¿qué aportan los mexicanos en el line-up, tomando en cuenta que están junto a muchos de los grandes a nivel mundial?, su respuesta es contundente: “La aportación es crucial, es el ADN del festival, el hecho de que exista una edición en México es precisamente para propiciar el ecosistema idóneo para la construcción de puentes entre creadores internacionales y locales.” 

Del 22 al 26 de noviembre próximos la XIV edición de MUTEK MX, que contará con luminarias como los legendarios The Orb, Squarepusher o Alva Noto. Pero nosotros te invitamos, además, a poner atención en las propuestas mexicanas que estarán nutriendo el festival, entre ellos Edgar Mondragón, Camila Fuchs, Isaac Soto, Medusa Lab, Cocay, Dreamo y Jadir Zárate.

A fin de cuentas estos últimos, entre otros, son los encargados de alimentar hoy ese proceso de madurez, y ayudar a consolidar una identidad propia: “El hecho de que las condiciones no sean aún las óptimas para llamarle una escena como tal, propicia que los creadores busquen sus propias vías de expresión y conexión lo que resulta en un conjunto de esfuerzos latentes con un punto en común, la identidad de una contra-cultura hecha en México, y que desde ese ángulo replica cada ves más su eco internacional.” 

En pocas palabras eso es MUTEK MX, una arena rítmica donde se encuentran talentos de diversas geografías para sostener un diálogo diligente, incidiendo así en el futuro creativo y la sonoridad electrónica de México.

Consulta aquí el programa completo (y adquiere tus entradas) de la edición 2017 de MUTEK MX.

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El compositor autodidacta mexicano admirado por John Cage

Su obra más emblemática retoma sonidos ancestrales yaquis. Periodista, filósofo y creador.

 

 

 “Es la tierra sobre la que caminamos hecha audible”, John Cage sobre la Sinfonía India.

 

Hay quien dice que antes de que occidente se entregara a la ‘especialización’ en las ciencias, habían hombres y mujeres que primero eran pensadores, y luego expertos.

El músico y filósofo John Cage cabe en esta acepción; también uno de los músicos que más admiró en su vida: el mexicano, músico, y filósofo Carlos Chávez.

Chávez encantó a Cage, el teórico del silencio y la música (como silencio), por el bagaje cultural y técnico que emanan sus piezas. Este compositor mexicano quien también fue su amigo e introductor al país, curiosamente, fue prácticamente autodidacta, y antes de sus 20 años ya había creado una sinfonía y algunas obras para piano y música de cámara.

Al respecto de la admiración de Cage por Chávez el también compositor Mario Lavista apuntó en una entrevista a Proceso:

“Cuando era crítico de Modern Music (Cage), escribió un largo e importante ensayo sobre la Sinfonía india de Chávez en la que decía que era como ‘si la tierra sobre la que caminamos fuese audible’.

 
“Incluso le pidió que creara la Tocatta para percusiones que curiosamente no estrenó él porque consideró que estaba por encima de la capacidad de su ensamble de percusiones.”

En las piezas de Chávez se desprende un conocimiento que sabe a personas, espacios y épocas. Atrapar así esencias, solo puede hacerse desde la admiración y el conocimiento que este músico tuvo sobre su propia cultura. No es casualidad que Cage consiguiera respirar esto en su música.

 
 
Ana Paula de la Torre Diaz
Autor: Ana Paula de la Torre Diaz
Politóloga de carrera, colabora para diversas publicaciones digitales como Pijama Surf. Creadora del proyecto ciudadano yanostoca.com. Y pintora ocasional ( http://bit.ly/2jkE8lD )

El Museo Tamayo transformará sus obras en música: Sinestesia

En sinestesia, música y arte plástico se fundirán en una memorable intimidad creativa.

Tal vez esta sea la primera vez que un museo en México convoca a músicos contemporáneos para desdoblar piezas a partir de obras plásticas. Sinestesia es un diálogo interdisciplinario y una interacción sinestésica entre lo sonoro/musical y las artes plásticas, ofreciendo al espectador una experiencia sensorial única.

En Sinestesia, músicos, artistas sonoros y DJs serán invitados a escoger una pieza de la Colección del Museo Tamayo para crear una pieza sonora que será dispuesta para su escucha en línea y luego ejecutada en vivo en sesiones performáticas en espacios del museo.

Sinestesia dará cabida a producciones sonoras por parte de algunas de las figuras musicales emergentes más interesantes y propositivas de la música electrónica y electroacústica capitalina actual.

Sinestesia busca el encuentro corpóreo entre piezas artísticas históricas, artistas contemporáneos y nuevos públicos a través de actividades que apelan a distintos sentidos y procesos cognitivos, además de la interacción entre lenguajes estéticos, para contribuir a generar experiencias estéticas integrales y desprovistas de prejuicios.

La cita es este jueves 22 de marzo a las 19:30 en el Museo Tamayo… ¡Entrada libre!

3 genios musicales que México ha dado al mundo pero pocos mexicanos valoramos

Estos hombres, adelantados a su época, deslumbraron la historia de la música desde una perspectiva deleitosamente mexicana.

Pareciera que por diferentes razones, la cultura de la música es un tema poco valorado en México, o quizá un escenario “secuestrado” por una serie de factores como son la industria de la música, las marcas y los intereses sociales que se mantienen por encima del simple placer de hacer música (y hacerlo bien). Pero, paradójicamente, estos factores han sido clave para que muchos músicos mexicanos, en distintas épocas, hayan trascendido los obstáculos para convertirse en verdaderos genios musicales. 

A lo largo de la historia de México, existe una buena cantidad de músicos que han despertado verdadera euforia dentro del territorio, resonando masivamente y generando incluso una especie de culto en torno a ellos. Pero curiosamente, quienes han encantado más allá de las fronteras –es decir, quienes han detonado efusión en cientos de países a lo largo del orbe– son, hasta la fecha, poco reconocidos en territorio mexicano. 

Vale la pena subrayar que estos músicos han logrado literalmente lo imposible: versiones de géneros musicales elementales, con estilos cadenciosos, prehispánicos –mexicanos–, o incluso galácticos; verdaderos vanguardistas de instrumentos de aire de cuerda o de las percusiones; genios que llevaron las matemáticas a la música para descubrir que en un solo tono se encuentra inmerso una infinidad de sonidos y versiones de la misma sinfonía.

 

Tino Contreras y el jazz mexicano

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Hay quienes se atreven a afirmar que Tino Contreras inventó un subgénero del jazz (el jazz mexicano), aunque ha decir del autor, no existe tal subgénero pero sí mexicanos tocando jazz. Pionero del género y poderosa figura entre los jazzistas más destacados de la historia, Contreras se arriesgó a algo que para nada se veía en su época: la incursión de sonidos prehispánicos, indios, árabes, e instrumentos fuera de lo usual como la Arpa armónica de Sonido Trece, creada también por un mexicano. Curiosamente, este variado menú de sonidos colocados en el mismo plato fuerte que era el jazz, resultó una invitación para que cada vez más jazzistas se arriesgaran a experimentar con el sonido. Su obra musical se cuenta en 300 obras grabadas y poco menos de 3 mil composiciones.  

 

Juan García Esquivel, el mexicano que inventó el lounge

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Juan García Esquivel y Frank Sinatra

García Esquivel es literalmente el creador de la música lounge. Ese género del jazz exquisito, que invita a los escuchas a prepararse, porque lo que están a punto de oír proviene del futuro. El space age pop o pop de la era espacial fue la forma en que los fanáticos traducían su música, una manera de interpretar jazz que hasta la fecha –en los años 50y 60– no se conocía. Este compositor mexicano estudió ingeniería en electrónica en el IPN, de ahí que las formas de grabar su creación musical eran inéditas, insospechadas pero atinadas. Pero Esquivel no sólo agradó a un público musical internacionalmente amplio, buena parte de las películas y series de televisión producidas por Hollywood en esa época utilizaba su música para numerosas escenas. Su creación musical, a decir de Esquivel, no era nada fácil:  “Le dicen música del espacio, pero cuando la escribí no pensaba hacer nada futurista. También le llaman easy listening (fácil de escuchar), pero no creo que sea fácil de escribir”.

 

Julián Carrillo y el infinito de los sonidos

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El compositor Julián Carrillo llegó a crear un vasto numero de instrumentos de cuerda, todos ellos afinados en el Tritono, que él mismo descubrió. Carrillo era un fiel amante de la música clásica, y como tal, destinó buena parte de su vida a interpretar clásicos universales. Sin embargo, el hallazgo que cambió su vida, y la historia de la música, –el Tritono– lo llevó a realizar su teoría del Sonido Trece, donde explica que la escala de 12 sonidos conocida hasta ahora estaba incompleta. Bajo un análisis matemático, Carrillo expone que existen estos tonos infinitamente (13, 14, 15 y más) y cómo es que con un ajuste en la afinación de los instrumentos podrían componerse melodías infinitas. Carrillo también fue conocido como “el desintegrador del átomo musical”.