Lecciones de civismo, cortesía de un artista mexicano emergente

Mario Zarza nos recuerda que México es nuestro y a todos nos toca cuidarlo (especialmente a los creativos).

Cuando buscamos lecciones de civismo; auténticos consejos para mejorar nuestra relación con el entorno y con quienes nos rodean, no lo hacemos en el arte. A ese campo misterioso nos acercamos por otro tipo de experiencias, tal vez más “personales”, que nos hacen reflexionar sobre nosotros mismos y no sobre la forma en que hacemos comunidad. Pero vale la pena replantear esta perspectiva, sobre todo frente a la obra de un artista preocupado por trabajar desde su práctica la forma en que nos relacionamos con los con-ciudadanos y con este país.

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Hablamos de Mario Zarza, un artista mexicano emergente que se ofreció a darnos su visión sobre la forma en la que el arte puede convocar a lo comunitario, a lo diverso y ser una invitación explícita a reapropiarse de este inmenso y complejo espacio que es México, para cuidarlo y, por qué no, hacerlo más agradable para todos.

Mario lleva 6 años trabajando como artista plástico, específicamente como pintor y escultor. En su obra resuelve las pasiones que emanan sus entrañas, pero también trata de generar vínculos con su exterioridad. Un dato curioso es que después de licenciarse en Negocios Internacionales por el Anderson National College, terminó por dedicarse a un campo con un sabor muy distinto. Afortunadamente, la decisión ha rendido buenos frutos, probando que ser creativo no es un trabajo “de segunda”, todo lo contrario.

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Desde el Columpio

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Como evidencia nos ofrece su más reciente exposición, Desde el Columpio, que estará abierta en las instalaciones de la Galería Arte XXI en la Ciudad de México hasta el 4 de agosto. Lo que encontrarás ahí son piezas ligadas al proceso que implicó el diseño, producción y montaje de “El Hombre de los Columpios”, un proyecto escultórico monumental y dinámico, instalado en el Parque la Mexicana en Santa Fé.

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“El Hombre de los Columpios” es un fantástico personaje metálico de una tonelada que sostiene tres columpios. Sin duda es una invitación a que los niños que visitan el parque se acerquen al arte de una manera muy especial. No solo porque la pieza, a estos espectadores tan peculiares, no les acontece como arte, sino como juego; también porque encarna la manera en la que Mario entiende lo que significa ser artista. 

Lecciones de civismo, cortesía de Mario Zarza

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Lo rico de platicar con un artista es que, como espectador de su obra, puedes pedirle mucho más que explicaciones técnicas sobre lo que hace. Pocos campos se abren a preguntas sobre cosas más humildes: las sensaciones (físicas y emocionales) que provoca el hacer; la justificación personal para trabajar de cierta forma y, claro, el compromiso que impulsa a cada creador a invertir sudor y tiempo es estos curiosos productos.

Así, de las palabras de Mario sobre su obra se pueden extraer valiosas lecciones para la vida cotidiana.

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El artista es un obrero

Citando a Diego Rivera, Mario Zarza nos recuerda que el artista es un obrero y para rematar nos dice que “como obrero, debe sudar su obra”. Así, todo lo que hagamos (aunque no seamos artistas) debería venir del esfuerzo, del enfoque, de las ganas de generar cambios. En cierto sentido, todos le debemos este “sudor” a nuestros paisanos.

Hay que luchar por las convicciones

El compromiso con la práctica es vital; sin este, no podemos construir nada que dure o que implique una auténtica diferencia en la paisaje. Mario Zarza dice: “hay que luchar por las las convicciones. No hay de otra.” También nos recuerda que a los mexicanos nos sobran cualidades para emprender esta pelea, empezando por una riqueza cultural inmensa y una resiliencia palpitante. Pero como bien dice, “tenemos que empezar por limpiar nuestra casa, estar bien conscientes de dónde venimos, de por qué nos comportamos históricamente de las maneras en que lo hacemos.” Lo que queda es tomar posición, crear un discurso y actuar con convicción.

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El peor enemigo es la (propia) ignorancia

Por otro lado, frente a la pregunta de los retos a los que se enfrenta como creador, Mario afirma que “Mi peor enemigo es la ignorancia. La ignorancia, será mi batalla hasta la muerte. Especialmente mi propia ignorancia.” Así, luchar por las convicciones es vital, pero siempre hay que asumir los propios límites, no dar nada por hecho, hacer(se) preguntas y buscar a los demás para aprender más y más.

Tus prácticas deben convocar a lo comunitario

“El Hombre de los Columpios” es el ejemplo perfecto. La pieza convoca a la diversidad y, al mismo tiempo, a volver a ocupar los espacios comunitarios y respetarlos. En sus palabras “a cuidar lo nuestro”.

“México es nuestro y tenemos que tomarlo de esa manera y hacernos responsables de él.”

El trabajo en equipo es vital

El asunto de la diversidad es básico. En cierto sentido la cara negativa de esta cualidad se traduce en discriminación. Pero eso en México tiene que parar. Tenemos que aprender a trabajar en equipo, desde los pequeños proyectos, hasta las grandes transformaciones sociales.

“Lo que nos toca en este momento histórico es trabajar en crear un sentido de pertenencia, volvernos a reivindicar con nuestras raíces… La diversidad tiene que existir per sé.”

Como dice Mario, todo empieza por la tolerancia y la empatía: “Tenemos que dejar de pensar únicamente en nosotros mismos y empezar a vernos en unidad”. Como ejemplo, vuelve a “El Hombre de los Columpios”, un proyecto en el que colaboran personas muy distintas y que además tuvo que superar toda clase de inequidades y asuntos burocráticos. Si se logró esto, dice Mario, ¿qué no podríamos lograr todos juntos?

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El civismo está en las pequeñas cosas

Dice Mario: “Empecemos por nuestra casa, antes de señalar al vecino. Cuando señalamos, tres dedos nos apuntan a nosotros. No destruir, no tirar basura. Plantar un árbol. Suena a cliché, pero es verdad. Ser amables, ser cordiales, ceder el asiento. En una palabra: civismo.”

*Imágenes: 1, 3, 4, 5 y 6) Mario Zarza; 2) Secretaría de Cultura

¿Ya viste los “mexicráneos”? No te pierdas esta vibrante oda a nuestra cultura

Esta monumental exposición urbana conmemora nuestra milenaria y festiva relación con la muerte.

Como ya es tradición, para arrancar con las celebraciones del Día de Muertos, el Paseo de la Reforma en la CDMX es invadido por los “mexicráneos”, enormes piezas en forma de cráneo decoradas con vibrantes motivos por artistas y diseñadores mexicanos contemporáneos

Cada creador le imprime su toque personal y aprovecha para enfatizar en un rasgo de nuestra compleja cultura. El resultado es precioso y una forma muy particular de mantener activa nuestra intensa, festiva y milenaria relación con la muerte

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La práctica de decorar cráneos lleva mucho tiempo activa en México

En nuestro país la muerte es un fenómeno y personaje con el que nos hemos relacionado íntimamente por milenios; y el cráneo, o mejor dicho la calavera, es un símbolo vital, del que algunos se burlan, algunos rezan y otros decoran para honrar a sus muertos. Pero no sólo hablamos de las calaveritas de azúcar y chocolate. 

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Los “mexicráneos” podrían ser la versión actualizada de rituales prehispánicos como adornar los cráneos en los entierros o exhibirlos durante ceremonias. Según investigaciones de Rafael Cobos, en sitios como Chichen Itzá los restos humanos no eran una materia tan ajena de la que los vivos se distanciaran. Los huesos, además de ser perforados, lascerados y adornados con fines rituales, también se reciclaban para fabricar otras piezas e instrumentos. 

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En muchos sentidos el valor de esta gran exposición en el Paseo de la Reforma es que nos reúne con la idea de que nuestro propio cuerpo, aunque perezca, seguirá floreciendo de formas insospechadas, nutriendo el mundo con significados; y, pronto será materia de otro acto igual de creativo que nuestra propia vida. Tal vez uno de los mensajes clave de la fiesta del Día de Muertos.

Vista los mexicráneos y comienza a celebrar el Día de Muertos

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Aquí puedes concocer a algunos de los artistas participantes y leer explicacions sobre sus propuestas. Cada pieza es completamente distinta y trata de llevar un mensaje especial a los espectadores. Algunas celebran nuestra cultura popular, hay otras son más reflexivas y giran en torno a un mensaje que importa, también las hay plenamente abstractas; nuestras favoritas, pues se prestan a que en la experiencia, uno los haga suyas. 

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Las piezas estarán en el Paseo de la Reforma (desde la Estela de Luz, hasta el Ángel de la Independencia) hasta el 10 de noviembre de 2019. La visita es gratis.

Te compartimos algunos de nuestros mexicráneos favoritos:

 

 
 
 
 
 
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La casa-taller de estos artistas es un manifiesto que borra las fronteras entre el arte y la vida (VIDEO)

Pedro Reyes y Carla Fernández habitan y construyen un oasis creativo, siempre cambiante en plena CDMX.

¿Cuáles son las fronteras entre el arte y la vida? Es difícil decirlo. Y, para un artista, buscar la diferencia podría probar ser un ejercicio absurdo.

Esta es una de las preguntas que evoca la impresionante casa-taller de los creadores Pedro Reyes y Carla Fernández. El exuberante espacio en Coyoacán (CDMX) es una antigua construcción de los años 80 que el escultor y diseñadora mantienen permanentemente en movimiento. 

La han rediseñado e intervenido de muchas formas, aunque el sitio habitado mantiene en sus profundidades la influencia brutalista: un estilo arquitectónico inspirado en el mítico arquitecto Le Corbusier, que trata de exhibir sin tapujos el material que forma a sus edificios. Así, Reyes y Fernández se han dedicado a experimentar con y en la casa.

En ese sentido, no son los únicos en habitarla. Constantemente, artistas locales y extranjeros la usan como residencia para realizar colaboraciones con sus inquilinos formales. El espacio es siempre cambiante y, probablemente, un poco caótico

Pero esto no es un accidente: la casa-taller como un manifiesto que borra las fronteras entre el arte y la vida; el taller-casa, como un experimento de comunidad; ambas ideas resuenan bien con las prácticas de Pedro Reyes y Carla Fernández.

Sobre Pedro Reyes y Carla Fernández

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El escultor, arquitecto y artista multidisciplinario siempre le ha apostado a lo experimental y también tiene un interés especial en cuestionarse sobre la forma en que la sociedad se organiza y establece relaciones. 

Dos de sus proyectos icónicos (“Palas por Pistolas” y “Desarme”) se trataron de fomentar el desarme entre comunidades de México. Otro —“pUN: People’s United Nations”— era una reinterpretación de la ONU, pero desde la voz de la ciudadanía. Y la lista de interesantes propuestas sigue.

Por su parte, Carla Fernández se dedica al diseño de moda y su propuesta procura relacionarse con el trabajo de distintas comunidades indígenas. El trabajo artesanal es uno de los ejes centrales de su producción y a través de ese interés se dedica a generar comunidad, en un constante intercambio de saberes.

Sumérgete en su Casa-Taller

Toda esta energía emana intensamente del espacio que ambos habitan y gestionan. Es, sin duda, otra de sus propuestas icónicas. Y este fenómeno fue capturado con mucha delicadeza y detalle por el cineasta Justin Tyler Close, en una imperdible cápsula documental

Como lo explica Tyler: “Su casa es más que solo un espacio de vivienda; es un reflejo de su compromiso de trabajar con la comunidad.” Por otro lado, los contrastes son, tal vez, lo más llamativo del espacio: muros industriales en crudo, atravesados por las complejas piezas de los artistas que los hicieron suyos. 

Al final, su propuesta parece decirnos: no dejes de adentrarte en este territorio de experimentación y auténticas formas de vida alternativas. Sin duda tiene sus ventajas sumergirse plenamente en el ejercicio creativo. La existencia podría pasar de ser un fluido caótico y sin sentido a ser una vivencia consciente donde tomamos activamente el control de los significados.

¿Será que todos deberíamos ser, a nuestra manera, artistas? 

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Mira los curiosos y entrañables barrios en miniatura de una artista chicana

Las detalladas y coloridas miniaturas de cartón de esta joven artista retratan y celebran la vida en los barrios binacionales de Los Ángeles.

La obra de la artista chicana Ana Serrano es una auténtica curiosidad. Probablemente porque las miniaturas siempre llaman a nuestra mirada. Nos encanta la posibilidad de reinventar los objetos más cotidianos en el acto de dimensionarlos distinto. 

Este es tal vez el propósito central de sus piezas: redimensionar. Sus entrañables “barrios” en miniatura demuestran la belleza inherente a estas colonias binacionales que normalmente se oculta tras nuestros prejuicios

La artista mexicoamericana, nació en Los Ángeles, California y siempre ha estado rodeada de estos espacios “latinizados”, coloridos y adornados con detalles de la cultura popular que evocan los rincones más familiares de México —y otros países al sur de la frontera— combinándose con la realidad migrante.

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Las miniaturas de esta artista no son reproducciones; se ensamblan como sueños que enfatizan los detalles que se instalaron en su memoria: rótulos divertidos, grietas en las paredes, objetos desechables convertidos en adornos (como cubetas-maceta) y una extraña arquitectura que va de lo humilde o discreta a lo extravagante, según el gusto de quien la habita.

Y más que los habitantes, a Ana Serrano le interesa el “habitar”. Por eso se concentra en la manera forma en que las personas “mejoran” sus viviendas o se apropian de ellas, aunque sea con los objetos o herramientas que tienen a la mano. 

En un acto ingenioso, reservado y muy resiliente, los migrantes hacen suyo el espacio en donde viven, lo “territorializan” y construyen una perfecta mezcla que se siente como “casa”, desde cualquier ángulo que se mire.

Conoce más de la obra de Ana Serrano aquí.